現代アメリカ社会の欺瞞・腐敗・不条理をえぐる

吟遊詩人ボブ・ディランが1976年発表した

アルバム「欲望」のトップナンバー。

ギターに合わせてフィドル（バイオリン）がうねり、

ベースとドラムがロックなリズムを刻む中、

無実の罪を着せられた60年代の黒人ボクサー　

ルービン“ハリケーン”カーターの物語を歌い綴る。

紛れもない、ディランの最高傑作だ。

惨劇を告げるオープニングから見事に構成された長編詩は、

８分以上にわたって聴く者の胸にひたすら

熱情溢れた言葉の直球を投げ続け、

“ハリケーン”の世界に引きずり込む。

殺人罪で投獄されたカーターは

獄中で自伝「第16ラウンド」を書いて出版し、

冤罪を世に訴えた。

その本を読んだディランは自らルービンに取材して、

この曲を書き上げたという。

その冤罪がいかにひどいものであったかは

曲を聴いての通りで、

人種差別がまだ正々堂々とまかり通っていた時代とはいえ、

こんなでっち上げがまかり通っていたことに驚くばかり。

けれども半世紀以上たった今も

実情は大して変わっていないのかもしれない。

そしてまた、昔々のアメリカの人種差別、

黒人差別の話だから僕たちには関係ないとは

言っていられないのかもしれない。

冤罪はどこの国でも起こり得る。

もちろん日本でも。

かの「袴田事件」が今年3月、

ようやく無罪決着になったのは、

事件から57年もたってからのこと。

失われた時間は二度と戻らない。

僕の子ども時代、日本の警察は

「刑事事件の検挙率世界一」

「世界で最も優秀な警察組織」と喧伝されていたが、

その検挙率を高く維持するために

相当数のでっち上げがあったのではないかと推察する。

権力者やその親族などが、

裏工作で罪を免れられるというのは、

昭和の時代では、広く認識されていたのでないか思う。

当然、その犠牲となった人も少なくないだろう。

人間の世界では表通りを見ているだけでは計り知れない

さまざまな事情・感情・思惑が絡み合って冤罪が生まれる。

人の一生を台無しにするほどの年月を費やした

「袴田事件」はそれでも無実が明らかにされた分、

まだマシと言えるのか？

泣き寝入りするしかなかった人たち、

最悪、闇に葬られた人たちは

いったいどれくらいいるのだろう？

どの国でも無実の罪を着せられるのは、

社会的に弱い立場にある人たちであることに変わりない。

「忖度」が大切にされるこの国では、令和の世になっても、

権力者やその親族などが罪を犯した場合、

たとえ裏からの命令や強制力が働かなくても、

周囲の「空気」によって冤罪を被ることもあり得そうだ。

ディランは痛烈に歌う。

「こんな国に暮らしていて恥ずかしい」と。

カーターは黒人であることに加え、

よくある話として、11歳の時に窃盗で捕まり、

少年院に入っていた履歴などが偏見として働き、

冤罪を生んだ。

ただ、幸運？（皮肉な言い方）なことに

社会の流れを変えた公民権運動と結びついて、

また、彼が名を知られたボクサーだったこともあって、

社会から注目されたのだ。

その後、支援者たちの尽力で、

彼に有利な証拠が隠蔽されていたこと、

彼に不利な証言をした証人が

偽証していたことなどがわかり、

1988年、20年間の獄中生活を経て、

ついにカーターの無実は認められ自由の身になった。

世界チャンピオンにもなれた男の夢は

とうの昔に潰えていたけれども、

1993年、世界ボクシング評議会（WBC）は、

彼に世界ミドル級名誉チャンピオンの称号と

チャンピオンベルトを授与した。

1999年、彼の半生とこの事件のドキュメントは

デンゼル・ワシントンが主演する

映画『ザ・ハリケーン』となった。

主題歌にこの曲が選ばれたことは言うまでもない。

その後、冤罪救済活動団体の責任者となった

“ハリケーン”は、最期まで冤罪と闘い続けた。

2014年、カナダ・トロントで死去。享年77歳。

おりべまこと電子書籍新刊「週末の懐メロ　第２巻」

20世紀ポップミュージックの回想・妄想・新発見の

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「週末の懐メロ」はブログで

毎週金曜（ときどき土曜・日曜）にUPしています。

今週はボブ・ディランの長編詩

「ハリケーン」をご紹介の予定。

また、電子書籍は￥300で引き続き発売中です。

既刊の第１巻もよろしく。

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「秘密の花園／松田聖子」、

女ベーシストの魅力を世に知らしめたスージーＱと

テイスト・オブ・ハニー等、読みどころいっぱい。

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目次を見て気になる楽曲・アーティストがいたら、

このチャンスにペラッと読んでみてくださいね。

第２巻は♯29～♯56まで28篇を収録しています。

もくじ

29　サパーズレディ／ジェネシス【１９７２】

30　ララ・ミーンズ・アイ・ラブ・ユー／スウィング・アウト・シスター【１９９４】

31　シュガー・ベイビー・ラブ／ザ・ルベッツ【１９７４】

32　パンク蛹化の女／戸川純とヤプーズ【１９８４】

33　ジョニー・Ｂ・グッド／チャック・ベリー【１９５８】

34　雨のクロール／森田童子　【１９７５】

35　ナッシング・トゥ・ルーズ／Ｕ.Ｋ.　【１９７９】

36　雨音はショパンの調べ／小林麻美【１９８４】

37　紅い月／佐野元春＆ザ・コヨーテバンド【２０１５】

38　ワイルドワン／スージー・クアトロ【１９７４】

39　ダンシング・ウィズ・ミスターＤ／ザ・ローリング・ストーンズ【１９７３】

40　真夏の出来事／平山みき（代官山ミラクルキャバレー）【１９７１】

41　カナリア諸島にて／大滝詠一【１９８１】

42　秘密の花園／松田聖子【１９８３】

43　ラヴ・ラヴ・ラヴ／ザ・タイガース【１９６９】

44　少年ヴィーナス／ビョーク【１９９３】

45　Summer／久石　譲【１９９９】

46　イエローサブマリン音頭／金沢明子【１９８２】

47　ああ青春／中村雅俊＋ゴーイング・アンダーグラウンド　【１９７５】

48　今夜はブギ・ウギ・ウギ／テイスト・オブ・ハニー　【１９７８】

49　永遠の調べ／キャメル【１９７６】

50　エニウェア・イズ／エンヤ　【１９９５】

51　サンシャイン・ラブ／クリーム【１９６７】

52　ノーモア“アイ・ラブ・ユーズ”／アニー・レノックス　【１９９５】

53　スリラー／マイケル・ジャクソン【１９８２】

54　ロックバルーンは９９／ネーナ　【１９８３】

55　アローン・アゲイン／ギルバート・オサリヴァン【１９７１】

56　ホワット・ア・フィーリング／アイリーン・キャラ　【１９８３】

おりべまこと電子書籍新刊「週末の懐メロ　第２巻」

５月29日（月）16:59まで

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主観9割。偏見まみれ。20世紀ポップミュージックの回想・妄想・新発見のエッセイ集。

このエッセイは基本的に自分の

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でも、何割かは同世代の人たちと

記憶を共有したいという思い、そして、

若い世代の人たちに知ってほしいという

思いを抱いて書いています。

きっとあなたを元気にする歌、

あなたの人生にインスピレーションを与える歌が

一つや二つはあるはず。

目次を見て気になる楽曲・アーティストがいたら、

この機会にペラッと読んでみてくださいね。

第2巻は♯29～♯56まで28篇を収録しています。

もくじ

29　サパーズレディ／ジェネシス【１９７２】

30　ララ・ミーンズ・アイ・ラブ・ユー／スウィング・アウト・シスター【１９９４】

31　シュガー・ベイビー・ラブ／ザ・ルベッツ【１９７４】

32　パンク蛹化の女／戸川純とヤプーズ【１９８４】

33　ジョニー・Ｂ・グッド／チャック・ベリー【１９５８】

34　雨のクロール／森田童子　【１９７５】

35　ナッシング・トゥ・ルーズ／Ｕ.Ｋ.　【１９７９】

36　雨音はショパンの調べ／小林麻美【１９８４】

37　紅い月／佐野元春＆ザ・コヨーテバンド【２０１５】

38　ワイルドワン／スージー・クアトロ【１９７４】

39　ダンシング・ウィズ・ミスターＤ／ザ・ローリング・ストーンズ【１９７３】

40　真夏の出来事／平山みき（代官山ミラクルキャバレー）【１９７１】

41　カナリア諸島にて／大滝詠一【１９８１】

42　秘密の花園／松田聖子【１９８３】

43　ラヴ・ラヴ・ラヴ／ザ・タイガース【１９６９】

44　少年ヴィーナス／ビョーク【１９９３】

45　Summer／久石　譲【１９９９】

46　イエローサブマリン音頭／金沢明子【１９８２】

47　ああ青春／中村雅俊＋ゴーイング・アンダーグラウンド　【１９７５】

48　今夜はブギ・ウギ・ウギ／テイスト・オブ・ハニー　【１９７８】

49　永遠の調べ／キャメル【１９７６】

50　エニウェア・イズ／エンヤ　【１９９５】

51　サンシャイン・ラブ／クリーム【１９６７】

52　ノーモア“アイ・ラブ・ユーズ”／アニー・レノックス　【１９９５】

53　スリラー／マイケル・ジャクソン【１９８２】

54　ロックバルーンは９９／ネーナ　【１９８３】

55　アローン・アゲイン／ギルバート・オサリヴァン【１９７１】

56　ホワット・ア・フィーリング／アイリーン・キャラ　【１９８３】

1996年５月に出たPUFFYのデビュー曲にして大ヒット曲。

作詞は井上陽水、作曲は彼女らの

プロデューサーでもある奥田民生。

当初、ＣＭソングとしても使われていたけど、

ついこの間もリバイバルＣＭソングに

なっていたことも記憶に新しい。

歌詞はまったく意味不明だが、

これは井上陽水の言葉遊びの世界。

漠然としたアジアのイメージをもとに

自由に、パワフルに音楽が広がっていく感じが楽しい。

「アジアの純真」と言いながら、

歌に出てくる単語のなかでアジアの地名や

アジア産のものは半分程度。

ベルリンはドイツ、ダブリンはアイルランドの都市。

リベリアはアフリカの国。

バラライカはロシアの民俗楽器と、

ワールドワイドにイメージが飛び交う。

高校の地理の授業で、

この歌詞のなかからアジアの地名でないもの、

アジアと関係ないものを挙げよ、

なんてやっていたこともあるらしい。

PUFFYの活躍もワールドワイドで、

デビュー後まもなくアジアキャンペーンをやって人気拡大。

2004年には彼女らをモデルにしたアニメ

『ハイ!ハイ! パフィー・アミユミ』がアメリカでブレイク。

その後、活動は全世界に広がった。

いま振り返ってみると、

この曲のハチャメチャでカオスな世界観は、

ネット情報が地球を覆い、

それぞれの文化が絶えずクロスオーバーする、

現在の世界の状況を表現しているようにも思える。

いつ聴いても明るくて楽しくて元気。

初めて観たけど、

このオリジナルMVも遊び心いっぱいで面白くて大好き。

まるで27年前に見た予知夢のようだ。

おりべまこと電子書籍新刊

「週末の懐メロ　第２巻」本日発売。

20世紀ポップミュージックの回想・妄想・新発見！

明日５月26日（金）17:00～29日（月）16:59まで

発売記念　４日間無料キャンペーン！

主観９割・偏見まみれの音楽エッセイ。

ブログ連載　♯29～♯56まで、全28篇を収録。

お気に入りの曲やアーティストがいれば覗いてね。

もくじ

29　サパーズレディ／ジェネシス　【１９７２】

30　ララ・ミーンズ・アイ・ラブ・ユー／スウィング・アウト・シスター　【１９９４】

31　シュガー・ベイビー・ラブ／ザ・ルベッツ　【１９７４】

32　パンク蛹化の女／戸川純とヤプーズ　【１９８４】

33　ジョニー・Ｂ・グッド／チャック・ベリー　【１９５８】

34　雨のクロール／森田童子　【１９７５】

35　ナッシング・トゥ・ルーズ／Ｕ.Ｋ.　【１９７９】

36　雨音はショパンの調べ／小林麻美　【１９８４】

37　紅い月／佐野元春＆ザ・コヨーテバンド　【２０１５】

38　ワイルドワン／スージー・クアトロ　【１９７４】

39　ダンシング・ウィズ・ミスターＤ／ザ・ローリング・ストーンズ　【１９７３】

40　真夏の出来事／平山みき（代官山ミラクルキャバレー）【１９７１】

41　カナリア諸島にて／大滝詠一　【１９８１】

42　秘密の花園／松田聖子　【１９８３】

43　ラヴ・ラヴ・ラヴ／ザ・タイガース　【１９６９】

44　少年ヴィーナス／ビョーク　【１９９３】

45　Summer／久石　譲　【１９９９】

46　イエローサブマリン音頭／金沢明子　【１９８２】

47　ああ青春／中村雅俊＋ゴーイング・アンダーグラウンド　【１９７５】

48　今夜はブギ・ウギ・ウギ／テイスト・オブ・ハニー　【１９７８】

49　永遠の調べ／キャメル　【１９７６】

50　エニウェア・イズ／エンヤ　【１９９５】

51　サンシャイン・ラブ／クリーム　【１９６７】

52　ノーモア“アイ・ラブ・ユーズ”／アニー・レノックス　【１９９５】

53　スリラー／マイケル・ジャクソン　【１９８２】

54　ロックバルーンは９９／ネーナ　【１９８３】

55　アローン・アゲイン／ギルバート・オサリヴァン　【１９７１】

56　ホワット・ア・フィーリング／アイリーン・キャラ　【１９８３】

電子書籍amazon　kindleおりべまこと新刊

週末の懐メロ　第2巻　５月25日（木）発売予定。

ブログ連載。毎週、懐メロについて綴る

９割主観・偏見まみれの音楽エッセイ集。

あなたのお気に入りがあれば、ぜひ覗いてみてください。

♯29～♯56まで　全28篇収録。

もくじ

29　サパーズレディ／ジェネシス　【１９７２】

30　ララ・ミーンズ・アイ・ラブ・ユー／スウィング・アウト・シスター　【１９９４】

31　シュガー・ベイビー・ラブ／ザ・ルベッツ

【１９７４】

32　パンク蛹化の女／戸川純とヤプーズ　【１９８４】

33　ジョニー・Ｂ・グッド／チャック・ベリー

　【１９５８】

34　雨のクロール／森田童子　【１９７５】

35　ナッシング・トゥ・ルーズ／Ｕ.Ｋ.　【１９７９】

36　雨音はショパンの調べ／小林麻美　【１９８４】

37　紅い月／佐野元春＆ザ・コヨーテバンド

　【２０１５】

38　ワイルドワン／スージー・クアトロ　【１９７４】

39　ダンシング・ウィズ・ミスターＤ／ザ・ローリング・ストーンズ　【１９７３】

40　真夏の出来事／平山みき（代官山ミラクルキャバレー）【１９７１】

41　カナリア諸島にて／大滝詠一　【１９８１】

42　秘密の花園／松田聖子　【１９８３】

43　ラヴ・ラヴ・ラヴ／ザ・タイガース　【１９６９】

44　少年ヴィーナス／ビョーク　【１９９３】

45　Summer／久石　譲　【１９９９】

46　イエローサブマリン音頭／金沢明子　【１９８２】

47　ああ青春／中村雅俊＋ゴーイング・アンダーグラウンド　【１９７５】

48　今夜はブギ・ウギ・ウギ／テイスト・オブ・ハニー　【１９７８】

49　永遠の調べ／キャメル　【１９７６】

50　エニウェア・イズ／エンヤ　【１９９５】

51　サンシャイン・ラブ／クリーム　【１９６７】

52　ノーモア“アイ・ラブ・ユーズ”／アニー・レノックス　【１９９５】

53　スリラー／マイケル・ジャクソン　【１９８２】

54　ロックバルーンは９９／ネーナ　【１９８３】

55　アローン・アゲイン／ギルバート・オサリヴァン　【１９７１】

56　ホワット・ア・フィーリング／アイリーン・キャラ　【１９８３

和訳するとしたら「青天の霹靂」というところか。

「アウト・オブ・ザ・ブルー」は

ロキシーミュージックの代表曲の一つ。

1974年リリースの４枚目のアルバム

「カントリーライフ」のトップナンバーだ。

一度聴いたら忘れられないブライアン・フェリーの、

ダンディだけどどこかマッドな香りが漂う

個性的なヴォーカルを中心に、

通常のギター、ベース、ドラムに加え、

シンセ、バイオリン、サックスが絡み合って

独特のグラマラスなサウンドが広がる。

まさに70年代ロック界の「青天の霹靂」だった

ロキシーミュージック。

このバンドはリーダーのフェリー以外、

メンバーチェンジが激しく、それに応じて、

時期によってまったく違う音作りをしている。

デビュー当初は、

アンビエントミュージック（環境音楽）の元祖となった

ブライアン・イーノが在籍しており、

音もヴィジュアルも斬新でアバンギャルドで

エッジが立ちまくっていた。

一般的に最も人気のある後期は、

「フレッシュ＆ブラッド」や「アヴァロン」で

洗練された大人のポップミュージックを聴かせた。

そして、この曲を含む中期は、

グラムロックとプログレッシブロックを掛け合わせたような

イメージを醸し出しながらも、

他のプログレバンドなどにはない、

ポップでキャッチーで、

何とも言えない色気のある楽曲が充実。

この時期の「カントリーライフ」と「サイレン」、

そしてライブ盤「ビバ！ロキシー」は、

僕が最も好きな３枚だ。

イーノに代わるキーボーディストとしてメンバーとなった

エディ・ジョブスンは、バイオリンも演奏。

この曲は彼のエレクトリックバイオリンが炸裂する後半が

ハイライトになっている。

ここではキング・クリムゾンを脱退したばかりの

ジョン・ウェットンがベーシストとして参加しており、

ジョブスンとウェットンはこの後、

新たなプログレバンド「Ｕ．Ｋ.」を結成する。

ちなみにロキシーミュージックは70年代前半、

十分革新的な音楽づくりをしていたのに、

なぜかプログレバンドとしては認識されず、

どちらかというとグラムロックに

カテゴライズされることが多い。

もう一つのロキシーミュージックの特徴は、

アルバムジャケットにある。

どのアルバムも、一度見たら忘れられない、

セクシーで個性的な美女がジャケットを彩っている。

中でも裸の女の子が二人並んだ「カントリーライフ」は、

当時、わいせつではないかと物議を醸しだし、

各国でジャケットが差し替えられたりもした。

日本はその方面は寛大なのか、

そのまま発売された。

僕もいまだにそんなにエッチだとは思わない。

この時期のレコードにはもっときわどいのが

いっぱいあったような気がする。

ただ、そんなことがあっても、

ロキシーの抜群に美しいアルバムジャケットは、

圧倒的なインパクトがあり、

70年代・80年代の日本の広告アートなどにも

大きな影響を及ぼしたのではないかと思う。

ロキシーミュージックは2019年にロック殿堂入りを果たし、

その式典ライブでは当然のごとく、

この「アウト・オブ・ザ・ブルー」も演奏された。

2017年に盟友・ジョン・ウェットンがこの世を去って、

自らも音楽界からの引退を表明していた

エディ・ジョブスンもパフォーマンスに参加。

美青年だった若き日とまったく遜色ない

バイオリンソロを聴かせてくれたのは、

うれしい限りである。

1972年リリース。

美しい旋律のスコットランド民謡を

イギリスのフォークグループ・ペンタングルが

素晴らしい歌・演奏で現代によみがえらせた。

古いからこそ新鮮な味わいのある不思議なバラッドだ。

ペンタングルは1960年代後半から70代にかけて

活躍したバンドで、

この懐メロ探検で初めて知った。

ヴォーカルのジャッキー・マクシーという女性は

ヴィクトリア女王にルックスが似ているという

コメントもある。

ルックスはともかく、その声は僕が知る限り、

この時代以降のロック・フォーク・ポップスの

いずれのフィメール・ヴォーカリストとも異質な、

どこか神秘的なニュアンスを帯びている。

この曲はチャイルドバラッドの一つ。

チャイルド・バラッド（Child Ballad）は、

19世紀のアメリカの文献学者・

フランシス・ジェームズ・チャイルドが

19世紀後半にまとめた、

イングランドとスコットランドの

305篇の伝統的なバラッドと

それらのアメリカでの異本を集めたもので、

これらの歌詞と、チャイルドによる研究文が編集されて

1960年代に出版されたという。

歌詞の内容は、16世紀のイギリス（エリザベス1世）と

スペイン（フェリペ２世）との

英西戦争の時代を背景にした恋の物語。

王女と身分違いの恋に落ち、

いったん死刑を言い渡された

ウィンズベリーのウィリーという青年が、

王の心を動かし、

やがて王女と結ばれるというストーリーで、

弦楽器とマクシーの独特の声は、

まるで中世から大航海時代の吟遊詩人が

人びとに叙事詩を語り歌う姿を彷彿とさせる。

ペンタングルはチャイルドバラッドを

数多くレパートリーにしているが、

とりわけ、この「ウィリー・オ・ウィンズベリー」は

人気が高く、

最近の若いミュージシャンも数多く、

この美しい旋律に魅了されてこの曲を取り上げている。

むかし、友だちの家に遊びに行くと、

まだチビだった彼の息子たちが

「きょうー、じんるいがはじめて木星についたよー」と、

調子よく歌っていたのを思い出す。

1990年リリース。

その友だちはとっくに木星ならぬ、あの世に行ってしまい、

「たま」が大好きだったあのちびっ子たちも、

もう40近い齢になる。

「さよなら人類」は、

子どもも歌えるリズミカルで楽しい歌だが、

よく聴くと、歌詞の内容はかなりシュールな

怪奇ＳＦの世界。

深読みすれば、戦争論、文明論、人類存亡論にもなり得る。

それをこんな童謡っぽく、

誰でも楽しめる歌にしてしまう表現力が、

この「たま」という、

ミュータントみたいなバンドのすごさ。

「たま」は一般的には

「イカ天（平成が始まった頃に放送していた

テレビのバンドオーディション番組

「イカす！バンド天国」）

出身の色物バンドという印象が強いが、

その音楽的クオリティは、

この半世紀余りの日本の

ロック・フォーク・ポップミュージック界で

トップレベルに入るだろう。

オリジナリティという点でも群を抜いている。

もともと4人のバンドとしてやっていたわけではなく、

ライブハウスやミニシアターなどで活動していた

ソロのシンガーソングライターたちが集まって

できたユニット。

４人がそれぞれ、自分で曲を作り、

リードヴォーカルを取り、持ち歌がある。

それがどれも個性的で面白く、

しかも4人が一体化した時のアンサンブルが素晴らしい。

彼らは一般受けする音楽をやろうという気はさらさらなく、

「イカ天」に出たのも、メンバーに断りなく、

関係者が勝手に応募してしまったのだという。

それが結局、あれよあれよという間に５週勝ち抜いて

グランドキングになってしまい、

メジャーデビューとして出したこの曲が大ヒットした。

その後もメンバーはゴーイング・マイ・ウェイで

2003年までバンドして活動。

解散後も、それぞれ自分の好きな音楽活動をしている。

いま改めて聴くと、むかし以上にシュールでコミカルで

ドラマチックに響き、ますますすごい「さよなら人類」。

こうした怪奇ＳＦから珍妙なファンタジー、

童謡やわらべ歌、昭和のアングラ演劇を想起させる曲、

チンドン屋っぽい旋律、

サーカスや見世物小屋をモチーフにしたような

ダークでコミカルな幻想曲まで、

日本古来の独自の音階を活かし、

特別ユニークで、

イメージ豊かな音楽世界を創り上げた「たま」。

これほどの個性と実力を併せ持った楽団が

表舞台に現れるのは、これからの時代、かなり難しそうだ。

昭和と平成のはざまに生まれた、

オンリーワンの奇跡の音楽として

ずっと語り継がれるのかもしれない。

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春のルネッサンスキャンペーン第３弾　

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久しぶりに劇的・幻想的なプログレに心酔。

1973年リリース。

イギリスのプロレッシブロックバンド。

その名もルネッサンス。

70年代のプログレ５大バンド、

ピンク・フロイド、キング・クリムゾン、

イエス、ＥＬＰ、ジェネシスのような

人気と評価は勝ち得ず、

日本での知名度はかなり低い。

僕も当時チラッと聴いたことがあるが、

すっかり記憶から飛んでいた。

あざといパフォーマンスをやったり、

超絶技巧を誇ったりしてなかったので、

やや個性に乏しく、

バンドとしてのコンセプトが弱かったこと、

そして、リードヴォーカルが女性であることも

プロレバンドとしては売り出しづらく、

マイナスになったのかもしれない。

この時代はまだロックミュージックの世界で

女性は少なく、ちょっと舐められる傾向があったと思う。

けれども今聴くと、

他の有名プログレバンドを凌駕するような

シンフォニックで美しい抒情性に圧倒される。

オペラ歌手の経験もあるアニー・ハズラムの

女神的なヴォーカルを中心とした楽曲は、

半世紀近い歳月を経たいま聴くからこそ

その真価がわかる。

再評価の動きがあるのか、

ごく最近、YouTubeに映像・オーディオが

数多くアップされるようになった。

代表曲「Ashes Are Burning」は、

アズラムのファンタジックな美声と

バンドのロックスピリットが一体となって織りなす、

ルネッサンスワールドが堪能できる。

春のルネッサンスキャンペーン第２弾！

４月27日（木）17:00～30日（日）16:59まで

４日間無料セール

エッセイ集：生きるシリーズ３タイトル

★酒タバコやめて100まで生きたバカ

・わたしの中の人間のクズ

・客観性という名の神様と自分の物語

・人生最後の全力疾走？

・「赤い服の少女」に学ぶ人生タマタマ

・人を食った話　ほか全35篇収録

★いつもちょっとクレイジーでいるためのスキル

・とんかつ屋はいかにして声優に転身したか

・ｅパン刑事、その愛と死とスマホ

・生殖機能終了後の人生とは？

・中年期以降の同窓会幹事の心のゆらぎ

・お母さんは夕暮れの交差点で踊った　ほか全38篇収録

★銀河連邦と交信中なう

・「人間を大事にしています」ってどういうこと？

・慢性硬膜下血腫で頭の手術の顛末記

・電車内スマホゲームはなぜカッコ悪いか

・みずから幸福になることを放棄している日本人

・落書きペンは地球色　ほか全38篇収録

このチャンスにあなたの

スマホ・ＰＣ・タブレットにインストール。

成功人生に行き詰った時の便秘薬にご常備ください。

1975年リリース。

ブルース・スプリングスティーンの出世作、

サードアルバム「明日への暴走」のトップナンバー。

古いしきたりに縛られた田舎町から

若い男と女が自由を求めて脱出する。

愛を育み、新しい暮らしをつくるために―――。

そんな60～70年代のアメリカの青春の物語を

一人称で歌い上げる。

まさしくスプリングスティーンならではのロック。

この曲の疾走感・高揚感はハンパなかった。

佐野元春も尾崎豊も浜田省吾も、

80年代に人気を博した日本のブルースロッカーたちは、

かなりこれにイカれていたはずだ。

僕も20代の前半、聴きまくっていた時期があった。

特に好きだったのは、このサードアルバムと

「ザ・リバー」「ボーン・イン・ザ・ＵＳＡ」。

最後に買ったアナログレコードは1986年に出た

スプリングスティーンの５枚組のライブアルバムだった。

その頃、彼はロック界の「ボス」と

呼ばれるようになっていた。

その頃から40年近く経った今、

いろいろな懐メロロックを毎日のように聴いているが、

残念ながらスプリングスティーンの楽曲を聴いて

胸が高鳴ること、テンションが上がることはほとんどない。

どんなに盛り上がっているライブを聴いてもピンとこない。

なぜだろう？

もちろん、僕が齢を取ったせいだろう。

でも、それだけだろうか？

スプリングスティーンは20世紀のアメリカを

体現しているようなところがあった。

そのアメリカが変貌してしまったことも

一因なのでないかと考える。

ボーン・イン・ザ・ＵＳＡ。

ウィ・アー・ザ・ワールド。

熱量が高く、華やか・盛大だっただけに

現在とのギャップも大きい。

21世紀も20年を過ぎた今、

もうすっかり色あせてしまった感は否めず、

思い出も小さく萎んでしまった。

と、さんざんディスってしまったが、

唯一、このロンドン・ハマースミス・オデオンでの

「サンダーロード」だけは別物だ。

齢を取ってかつての元気ノリノリの名曲を

渋くアコースティックにアレンジして披露する

ミュージシャンは大勢いるが、

これはこの曲をリリースしたばかりの時で、

当然、スプリングスティーンもまだ20代の若僧。

どんな事情があってこの神聖なバージョンを

披露したのかはわからない。

若い血を沸かせた疾走感・高揚感あふれる曲を、

ギターもドラムもサックスも入れず、

全編ほとんどピアノの伴奏だけで歌い上げる。

そして、イントロとエンディングの

ブルースハープ（ハーモニカ）のひびき。

世界を変えたロックミュージックの純粋な結晶。

一生聴き続けたいと思える

スプリングスティーンがここにいる。

1978年リリースのサードアルバム

「イースター」に収録された

「ビコーズ・ザ・ナイト」は、

ブルース・スプリングスティーンの未発表曲に

パティ・スミス自身が歌詞をつけた歌。

「ニューヨークパンクの女王」の異名を持つスミスだが、

この曲や「ロックンロール・ニガー」など、

よく知られた曲はパンクロックというよりも

王道のロックとしての美と力強さを湛えている。

パティ・スミスはもともと

そんなにアグレッシブな女性ではなく、

むしろ内向的な文学少女だったのではないかと思う。

故郷から出てきて1960年代のニューヨークで

青春時代を過ごすが、

当初はビートニクの詩人やシンガーソングライターの

“愛人”になることが目的だったらしい。

アメリカ人でも彼女の年代の女性は、

まだまだ男を表に立てて生きるというのが

基本的なライフスタイルだったのだろう。

ジョニ・ミッチェルと同様、

彼女も若くして母親となるが、

“愛人”ではなく、自身で創作ができると自覚し、

詩作や演劇などの芸術活動に打ち込むようになるのは

それより後の70年代のこと。

ミュージシャンとしてデビューしたのも20代が終わる頃だ。

その年齢的なこともあり、

他のガキっぽいパンクロッカーたちと違って、

パティ・スミスはどこか

「大人のパンク（？）」の風情を漂わせていた。

折れそうなほど痩せぎすの身体に

男っぽい服を着たファッションは、

「アンドロジナスルック（男っぽさ・

女っぽさにとらわれない両性具有的ファッション）」

のアイコンとして、当時も今も人気が高いようだ。

パンクの女王の時代を過ぎ、

結婚などで活動休止時期も長かった

パティ・スミスはその後、90年代に復活を果たし、

70代後半になる現在に至るまで音楽活動を続けている。

白髪になっても中身はいまだ「ビコーズ・ザ・ナイト」を

発表した時のまま。

45年の年月を重ねて「女王」の面目躍如である。

春だ！新学期だ！新年度だ！飛び出せ青春！

というわけで今回は、スコットランド・エジンバラ出身、

タータンチェックの貴公子ベイシティ・ローラーズ。

1975年の大ヒット曲「サタデーナイト」！

僕の中学のロックの先輩たちはもちろん、

「オンナ・コドモが聴くもの」とバカにしていた。

同調圧力に屈していた僕ももちろんバカにしていた。

だけど「サタデーナイトだけは

こっそりレコードを買ってきて聴いていた。

ポップで元気で明るくて大好きだったのだ。

いま聴いてもテンション上がりまくり。

これだけノー天気な名曲なので、

いっぱいYouTubeに上がっていて、

いっぱいいろんな人がカバーも

しているだろうと思ったら、

不思議なことに全然ない。

誰もカバーもしていない。

あれほど大騒ぎされたベイシティ・ローラーズも

記憶に彼方に忘れ去られたのだろうか？

テレビ番組なのだと思うが、これは貴重なライブ映像。

やっぱ何度聴いてもめっちゃめっちゃいい曲だ。

バンドはもちろんだが、司会のお兄ちゃんも、

観客の黄色い悲鳴を上げてるお姉ちゃんたちも、

笑っちゃうほど70年代。

おそらくこの人たちのほとんどは僕と同じく超還暦。

いまどうしているんだろう？と、

よけいなことを考えてしまう。

「アタシゃ変わり果てちまったよ」とぼやいている人も

いるかもしれない。

そんな時は、ベイシティ・ローラーズを聴いて

胸を熱くしよう。

人間、外見は変わっても中身は大して変わらない。

心のなかでこっそり青春。

ひっそりティーンエイジャー。

懐メロは、時代の波にのまれ、

情報の海で溺れそうなあなたの救命胴着です。

ロンドンの日本食レストランで働いていた時、

一度だけ坂本龍一さんが昼食を取りに来たことがある。

この店は当時、BBCのスタジオの近くにあって、

ミュージシャンがよく来ていた。

80年代の日本のミュージシャンは、

ロンドンでレコーディングすることが多かったようだ。

1986年の後半か1987年。

季節は秋だったような気がする。

その頃、サブマネージャーをやっていて、

ちょうどマネージャーが公休の日だったので、

月曜だったことは確か。

午後１時過ぎで店はヒマだった。

男性ばかり三人で来たのだが、

他の人はミュージシャンっぽい雰囲気の人では

なかったので、

マネージャーとか、演奏者以外のスタッフだったと思う。

４人掛けのボックス席に座って

坂本さんは鮭の照り焼き定食を食べた。

ヒマだったこともあり、

スタッフの一人が坂本さんに

少々失礼なふるまいをしたので、

僕があわてて謝りに行った。

事は穏便に済み、帰る時にももう一度謝ったのだが、

「まぁ気にしないでください」と

ひとこと言われたのを憶えている。

それだけの話だが、その後、坂本龍一さんには

ずっと良い印象を抱いていた。

もちろん、彼の音楽も好きだった。

1997年のこの曲は

ＹＭＯの楽曲や「戦メリ」と並んで愛聴している。

Sister Mとは娘の坂本美雨さんのこと。

美雨さんの実質的なデビュー曲でもある。

坂本さんの楽曲はこれからも繰り返し聴くだろう。

ご冥福を祈ります。

松本隆＋筒美京平の70年代の斬新な歌謡マジック。

太田裕美の代表曲と言えば「木綿のハンカチーフ」だが、

明るい爽やかさの裏に悲しみが潜むあちらの歌に比べ、

この「赤いハイヒール」は、

アンニュイでミステリアスな曲調。

ちょっと禍々しいブラックメルヘンの味付けもある。

僕はこっちの方が好きで、このレコードも持っていた。

1976年。高校２年の時である。

「木綿」と同様、男女のダイアローグで進むが、

冒頭、「ねえ、友だちなら聞いてくださる？」と

リスナーに語り掛けて歌の世界に誘い込むという、

のっけから松本隆のマジックが炸裂する。

今ならそう珍しくないかもしれないが、

当時、こんな曲はなかった。

白のイメージカラー、

都会に出た男の子×田舎にいる女の子。

赤のイメージカラー、

都会に出た女の子×田舎にいる男の子。

という設定の対比に留まらない。

「木綿」では人物やドラマの描写が

割とあいまいで抽象的だったのに対して、

こちらは、東京駅に着いた・

おさげでそばかすのある女の子・

ハイヒール買った・お国訛りを笑われた（らしい）・

タイプライター打つ仕事をやってるなど、

主人公の状況がかなり具体的に描かれている。

このあたり、ただのアンサーソング・二番煎じとは

絶対に言わせない。

「木綿」よりもいい曲にする・面白くするという、

松本＋筒美の情熱とプライドを感じる。

そして何よりもその根底に太田裕美への愛情を感じる。

「松本隆のことばの力」（藤田久美子インタビュー・編／インターナショナル新書）によると、

当時、すでに大御所作曲家だった筒美京平は、

既にスターになった歌手にほとんど関心を示さず、

自分の曲で新人を育て上げたいという

強い思いを持っていたという。

太田裕美はその筒美が目を付けた宝石だった。

そこで売り出し中の作詞家だった松本隆に声をかけて、

太田裕美のためにコンビを組んだ。

その第1弾「木綿のハンカチーフ」が大ヒットしたのだが、

一発屋で終わらせない、

彼女を後世まで残る歌手にするのだ、

と気合を込めて作ったのが、この「赤いハイヒール」

だったのではないかと思う。

とにかく詞も曲も編曲も凝りまくっているが、

それをここまで可憐に、軽やかに、

それでいながら心に沁みるように歌えるのは、

昔も今もやっぱり太田裕美しかいない。

——聴く者にそう思わせるだけのものがある。

ちなみに「おとぎ話の人魚姫は死ぬまで踊る赤い靴」

という一節は、松本隆の創作である。

「赤い靴」は美しい少女が、美しさゆえに傲慢になり、

病気の親を見捨てて、強欲に快楽を求めたがために

呪いの赤い靴を履いて死ぬまで踊ることになる。

そして、その呪いを解くために

首切り役人に頼んで両足を切断するという、

子供に読んであげたらトラウマになること必至の

衝撃的な展開の物語だ。

同じアンデルセンの童話だが「人魚姫」とは

別々の話である。

それも含めて松本隆の数多い作品の中でも

「赤いハイヒール」は屈指のドラマ性と

独特のイメージを持った世界観を作っている。

もちろん、この令和の感覚からすれば、

ツッコミどころ満載の歌詞なのだが、

これぞ懐メロ、これぞレトロ昭和ワールド。

まだ1970年代（昭和50年代）は、

今では考えられないくらい

東京と地方とでは情報格差があった。

地方出身者にとって、

東京はほとんど異国と言ってもよいくらいだったのだ。

それもとっておきの、ピカピカの。

僕は名古屋の出身で、名古屋は当時、

日本で4番目に人口の多い都会なのだが、

それでも東京に行って暮らす、というと

ただそれだけで周囲から羨望の目で見られた。

ウソのようだが、ホントの話だ。

今でもこの季節になると、

東京に出てきて演劇学校に入った頃のことを思い出す。

そして、演劇や音楽にうつつを抜かした

東京暮らしを良い思い出にして、

田舎に帰って行った多くの仲間のことも。

元気にまだ生きているだろうか？と無責任に考えるが、

そんな自分は、結局、呪いの赤い靴を履いたまま、

どこにも帰らず、だらだら東京暮らしを続けている。

たぶん、死ぬまで呪いが解けることはない。

エリック・クラプトンの代表曲になっている

「いとしのレイラ」。

じつは1970年に発表された

デレク＆ザ・ドミノスのアルバムに収録されたものが

オリジナルバージョン。

ヤードバーズ、クリーム、ブラインド・フェイスなど、

60年代の歴史的バンドで活躍し、

この頃、すでに稀代の名ギタリストの地位を確立していた

クラプトンは、もちろんこの新しいバンドの

リードギタリストだった。

僕は中学生の時、ラジオでが初めてこの曲を聴いた。

その前に音楽雑誌で評判は聞いていた。

当時、これほどもてはやされていた曲も珍しい。

クラプトンと言えばレイラ。

とにかくレイラがすごい、レイラ大好き、レイラ最高！

彼はすでにソロ活動に入っていたが、

ライブをやってもみんながこれを聴きたがるものだから、

新しい曲がやりにくい、

といったエピソードがあふれていた。

で、そんなにすごい曲なのかと思って聴いたが、

正直なところ、「そんなかなぁ」と思ってしまった。

その頃はハードロックやプログレに狂っていたので、

この曲があんまりすごいとか、カッコいいとか、

面白いとか思わなかったんだよね。

その印象が一変したのが、高校生の時。

同じくラジオで流れてきたレイラに鳥肌が立ち、

しびれまくった。

いったい何が違っていたのか？

最初に聴いたのは前半３分のみ、

おなじみクラプトンのギターが炸裂する

シングルバージョン。

そして２回目はその続きがあるフルバージョンだったのだ。

聴けばわかるが、レイラは二つのパートで成り立っていて、

後半はピアノを中心とした

インストゥルメンタルパートになっている。

３分を過ぎてギターが鳴りやんだところに、

やさしくピアノが入ってきて、

そこにまたギターが絡み合って、

まるで違う曲のように美しく流れていく。

これぞ本物の「いとしのレイラ」だ。

いわば迸る恋の情熱・激情と、

それが成就したあとの愛が満ち溢れる世界。

この前半と後半の対比が

めっちゃドラマチックで素晴らしく、

両パート合わせてこその名曲なのである。

それから半世紀、この曲はクラプトンのライブで

欠かせないレパートリーとなり、

最近は彼の齢に合わせて

渋いアコースティックバージョンになっている。

が、演奏されるのはやっぱり前半部分ばかり。

だから「レイラ」と言っても、中学生時代の僕と同様、

曲の半分しか知らない人が多いのではないだろうか？

そんな人はぜひ、デレク＆ザ・ドミノスの

フルバージョンを聴いて、イメージを一新してほしい。

ところでこのバンド名、

僕はずっとデレクさんとドミノスさんという人が

メンバーにいるのかなと思っていたが、そうではなく、

もともと「ダイナミックス」という名前だったのを

テレビ番組の司会者が紹介する時、

「デレク＆ザ・ドミノス」と言い間違えたのだという。

メンバーの一人である

ボビー・ウィットロックの証言なので、

本当のことらしいが、え～、ホント？　と思ってしまう。

ロックの世界は、ジョークやいい加減な話が

まことしやかに伝説化されてしまっていることが多い。

まぁ、今さらどうでもいいことだけど。

ちなみにこのアルバムジャッケットも

ロック史に残る名作で、

まさしくレイラが描かれていると思う。

1994年リリース。

クランベリーズは90年代に活躍した

アイルランドのバンド。

リードヴォーカルのドロレス・オリオーダンが

自分の子ども時代を振り返り、

家族への思いを歌い上げる。

家族への頌歌。

この美しい讃美歌について

オリオーダンは雑誌のインタビューで

いろいろ語っている。

彼女は僕より一回り年下の1972年生まれ。

10代の頃は反抗して両親を悲しませたが、

齢を取ると、いつか感謝する日がやってくるという。

自分の両親がいかに素晴らしく、自分の子ども時代が

いかに幸福だったかを知る時が来るとも。

彼女は７人きょうだいで育ったというが

７歳の時、家は火事で全焼。

ずいぶん辛い生活をしたのではないかと思うのだが、

記憶にあるのは美しい食卓、あたたかいベッド、

そして学校にきれいな服を来て行ったことだという。

また、こんなことも話している。

「私たちは物質主義がほとんどない状態で育った。

本当にスピリチュアルな子ども時代だったと思う」。

いつでも、どこでも、

子ども時代は多かれ少なかれスピリチュアルだと思うが、

もしかしたら現代ではそうとも言えないのかも。

美しい食卓、あたたかいベッド、きれいな服というのは、

けっして贅沢な衣食住に恵まれた

ということではないだろう。

価値の物差しはお金と物質ばかり。

心の隅々までそうしたものに

支配された環境の中で育つと、

どういう心情になるのか、ちょっと心配になる。

本当に大切なものは目に見えないので、

それが損なわれたこと・失われたことにさえ

気づかなくなってしまうのではないか。

けれども、そんな過去だって変えることはできる。

不幸な子ども時代を送ったという人もいるかと思うが、

それを乗り越えて、

今まで続いてきた自分に自信を持って、

幸福な未来を掴むために過去だって変えてやろう－－

そんな心持ちで生きていこう。

３・10　東京大空襲

３・11東日本大震災

いや、少し調べれば、365日、世界中で

何かしらの悲劇が刻まれている。

べつに今日・明日だけが特別なわけではないが、

日本人にとって意識せざるをない日になっていることは確か。

しかし、あんな悲劇があっても、

地球はずっと回り続けるし、

世の中は止まることなく進んでいく。

当たり前のことだが、

これは多くの人にとっては救いとなり、

あの時点に取り残されてしまった人にとっては

残酷な事実となる。

そんなことをぼんやり考えていたら、

「夜空ノムコウ」を口ずさんでいた。

特にエンディング近く。

あのころの未来に 僕らは立っているのかなぁ…

全てが思うほど うまくはいかないみたいだ

このままどこまでも 日々は続いていくのかなぁ…

雲のない星空が マドの向こうに続いている

あれからぼくたちは 何かを信じてこれたかなぁ…

夜空のむこうには もう明日が待っている 

この曲は1998年にSMAPが歌って大ヒットした。

僕もSMAPの歌のなかでいちばん好きだ。

それにしても、つい最近の歌だと思っていたら、

リリースはなんと1998年！

もう四半世紀もむかし。20世紀のヒット曲。

この頃、僕はまだ30代だったのだ。

もともと恋の終わり、青春の終わりについて

歌ったものだと解釈されている。

SMAPの口あたりの良い甘い味付けだとそう聴こえるが、

詞を書いたスガ シカオのこのバージョンは、

思い切りビター、苦味を効かせた味付けで、

歌詞さえもまったく違うものに聴こえてくる。

そしてバックに響く打ち込み音と奇妙な電子ノイズ。

90年代風、世紀末風とでもいえばいいのか、

ひどく不気味で荒涼とした響きがある。

なんだか焼け野原になった東京の街や、

地震・津波・原発事故で失われた

あの被災地の風景を想起させる。

それでも日々は続いていく。

夜空のむこうには明日が待っているのだ。

スガ シカオがどんな意図でこの歌詞を書いたのか、

25年後の今となってはどうでもいい気がする。

「夜空ノムコウ」は、もうみんなの歌であり、

聴く人ひとりひとりが自分に寄せて

自由に解釈し、自由にイメージを広げて良い。

正しい意味・正しい聴き方など必要ない。

名曲とはそういうものではないか。

良いこと、嫌なこと、いろんな経験をしてきたし、

これからもしていくだろう。

これはその先の未来を生きていく僕たちが

自分自身の物語を紡ぐために口ずさむ歌なのだと思う。

パリの街といえば、

ついシャンゼリゼ通りを連想する日本人。

そのイメージの源は、1970年代の初めに活躍した

フランス人アイドル歌手　ダニエル・ビダルだった。

小学生の頃、雑誌などでよく見かけたかわいこちゃんだ。

「オー、シャンゼリゼ(O, Champs-Élysées)」は、

もともとフランスの歌手ジョー・ダッサン(Joe Dassin)が

1970年に発表した楽曲だが、

日本人には強烈にビダルのイメージがくっついて、

「パリの街を行く、おしゃれで可愛いマドモアゼルの歌」

ということになった。

ダニエル・ビダルは日本語でも歌っていて、

ほとんどネイティブみたいに達者。

しかもめっちゃキュートな歌声で、

年甲斐もなく胸がキュンとなる。のである。

ところで、チャットＧＰＴに

女性を主人公に「オー、シャンゼリゼ」という

ミュージカルを作りたいのですが、

どんなストーリーがいいでしょう？と聞いてみた。

そしたらこんなお話を考えてくれた。

例によって日本語のおかしなところ、

文章がうまくつながらないところがあるので、

僕がちょっとだけ手を加えています。

主人公は、シャンゼリゼ通りに面した喫茶店で働く

若い女性、エミリーです。 

彼女は、自分の音楽の夢を諦められず、

夜な夜な弾き語りをすることで、

自分の才能を磨いていました。

ある日、彼女は喫茶店の客の一人が

置き忘れた手帳を拾います。

手帳の中には、

シャンゼリゼ通りの美しい風景を眺めながら書かれた、

ある曲の歌詞がありました。

エミリーはその詞に心打たれ、

自分でこの曲を作ることを決意します。

エミリーは、偶然出会った

駆け出しの音楽プロデューサーのジャックと共に、

自分自身の音楽を創造するために努力し、

その曲を完成させます。

そして、彼女の歌う「オー、シャンゼリゼ」は、

多くの人に愛される楽曲となり、

彼女の音楽キャリアにおいても大きな転機となりました。

葛藤や孤独などの壁があり、

それを乗り越えていくことが物語のテーマとなります。

このミュージカルでは、

エミリーの成長や彼女自身が持つ内面的な葛藤、

音楽創造のプロセス、

そして「オー、シャンゼリゼ」が世に出た後の反響などが

描かれることになります。

美しい風景や、フランス文化の魅力なども、

ストーリーに取り入れることで、

物語の世界観をより深く描くことになります。

いかがでしょう？

いや、いいですね。

ちょっとレトロなハリウッド映画っぽいところがいい。

エミリーはやっぱり50年前のダニエル・ビダルだろうか？

ジャックはミッシェル・ポルナレフみたいなやつだろうか？

もちろん、いっぱいツッコミどころはあるが、

あらすじ初稿としてこれだけできていれば十分。

これをどれだけアレンジし、膨らませるかが

人間の仕事なのです。

ミュージカル「オー！シャンゼリゼ」、

作ってみたくなった。

日本の至宝、昭和の至宝　美輪明宏が

自ら作詞・作曲し、あらゆる世代の日本人に贈る聖歌。

それが「ヨイトマケの唄」である。

最初にレコードが出たのは1965年。

マンガなどで「母ちゃんのためならエンヤコーラ」という

セリフが良く出ていたのを覚えている。

そして桑田佳祐をはじめ、たくさんの歌手がこの歌を愛し、

カヴァーしているのも聴いていた。

けれども美輪明宏自らが歌うのをまともに聴いたのは、

若い世代と同じく、2012年の紅白歌合戦が初めてだった。

紅白なんていつも酒を飲んでへべれけになって見ているのだが、

真っ黒な衣装に身を包んだ美輪が登場し、

この歌を歌い出した時、思わず背筋がピンと伸びた。

６分間、テレビから目と耳を離すことができなかった。

故郷の長崎で原爆に遭遇して以来、

波乱万丈の人生を送り、数々の修羅場をかいくぐりながらも

70になっても80になっても

元祖・ビジュアル系歌手の誇りを失うことなく輝き続ける

美輪明宏の、人間への愛情のすべてが

この1曲に集約されているような気がする。

この歌が生まれた経緯は自身で、

また、黒柳徹子との対話で語っている音声が

YouTubeに上がっている。

1960年代前半、三島由紀夫が「天上界の美」と称した

絶世の美青年だった美輪明宏（当時は本名・丸山明宏）は、

きらびやかな衣装と化粧でシャンソンを歌っていた。

ところが、興行主の手違いで

福岡・筑豊の劇場でコンサートを行うことに。

客は普段シャンソンを聴きに来る人たちとは

全く違う炭鉱労働者たち。

そんな人たちが自分の歌を聴こうと

客席を埋め尽くしたことに美輪は感動したが、

内心、自分のレパートリーには、

この人たちのために歌える歌がないとすまなく思ったという。

そして、外国には労働者の唄があるのに、

日本にはなぜないのか？という疑問も抱いた。

「ヨイトマケ」とは「ヨイっと巻け」。

まだ現在あるような建設機械が普及していなかった時代、

地固めをするとき、重たい岩を縄で滑車に吊るした槌を、

数人掛かりで引張り上げて落とすという作業をしていた。

滑車の綱を引っ張るときの「ヨイっと巻け」のかけ声が

語源となっている。

この仕事は主に日雇い労働者が動員されていたらしい。

「ヨイトマケの唄」は、そうした戦後復興期の物語であり、

まさしく現代の日本の豊かな社会の

「地固め」をしていた時代の唄だ。

炭鉱をはじめ、新幹線を走らせるために

山にトンネルを掘り、川に橋をかけ、

街に高速道路や高層ビルを建てるために

たくさんの名もなき労働者が働いていた。

そうしたあちこちの工事現場では不幸な事故で

命を落とした人も少なくない。

普段は意識などしないけど、

インフラの整った僕たちの社会生活は

そうした犠牲の上で成り立っている。

この歌を彼が初めてテレビで歌った時、

「これはおれたちの歌だ」と、彼の元に７万通の

感謝の手紙が送られてきたという。

しかし、その一方で、

高度経済成長の波に乗り始めていた日本人は、

少しでも早く貧しい時代の記憶を忘れようとしていた。

貧しい者、卑しき者、美しくない者は

目にしたくない、耳にしたくないと思っていた。

この歌の歌詞の「土方」でさえも差別用語であるとして、

以後、長い間、この歌は歌われなかった。

77歳で紅白に初出場した時、若い世代は、

あの「美輪ちゃま」が

どんなゴージャスな衣装で登場するのか

大いに期待していたらしいが、

この黒ずくめのスタイルを見て驚愕、

そしてこの歌をフルコーラスで聴いて慄然とした。

カメラは一切寄ることはない。

まるで舞台劇を見ているかのような、

魂を揺さぶるパフォーマンス。

昭和の時代は、圧倒的なリアリティで

人々を感動させた歌は、半世紀後、

“俗”を描き切った、聖なる物語に達していた。

最後、闇に溶けていく中で

「子どものためならエンヤコーラ」と絞り出す声には

何度聴いても涙が抑えられない。

美輪さんがまだ元気で表現活動をされていてよかった。

令和の時代になっても、いや、令和になったからこそ、

日本人にはまだ美輪さんの存在が必要なのだ。

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20世紀ポップミュージックの回想・妄想・新発見！

ブログ「DAIHON屋のネタ帳」で2020年10月から

毎週連載している「週末の懐メロ」を本にしました。

オールド世代もヤングな世代も

楽しい懐メロ話で精神の栄養補給を。

曲やアーティストを解説する、

あるいはロック史・音楽史を研究するといった

大それたものでは全然ありません。

懐かしさと個人的な思い出に

駆られて書いたエッセイです。

タイムマシンに乗ってはるかな時間を遡ると、

ノスタルジーだけでなく、新しい発見があったり、

改めて感動してみたり、泣いたり笑ったり、

リアライズやサプライズもいっぱい。

僕と同じ昭和世代・20世紀世代にはもちろん、

21世紀を生きる若い世代のお宝発掘のための

ガイドブックとしてもお楽しみください。

文章を読んで興味を持ったら、

ぜひお聴きになって＆ご覧になってください。

良い音楽、好きな音楽をあなたの心の友に。

第１巻として♯１～♯28を収録。

もくじ

１　５年間／デビッド・ボウイ　【1972】

２　愛にさよならを　／カーペンターズ　【1973】

３　ドント・レット・ミー・ダウン／ザ・ビートルズ　【1968】

４　嘆きの天使／ケイト・ブッシュ　【1978】

５　ソー・ロンリー／ザ・ポリス　【1978】

６　スワロウテイル　～あいのうた～　／イェンタウン・バンド　【1996】

７　青春の影／財津和夫（チューリップ）　【1974】

８　ボール＆チェーン／ジャニス・ジョプリン　【1967】

９　ハッピークリスマス／ジョン・レノン＆ヨーコ・オノ　【1971】

10　翼をください／山本潤子（赤い鳥）　【1971】

11　スキャットマンズ・ワールド／スキャットマン・ジョン　【1995】

12　クレア／フェアーグランド・アトラクション　【1988】

13　デジャ・メイク・ハー／レッド・ツェッペリン　【1973】

14　タイムマシンにおねがい／サディスティック・ミカバンド　【1974】

15　キエフの大門／エマーソン・レイク＆パーマー　【1972】

16　少女／五輪真弓　【1972】

17　ジュニアズ・ファーム／ ポール・マッカートニー＆ウイングス　【1974】

18　トムズ・ダイナー／スザンヌ・ヴェガ　【1984】

19　マーチ・オブ・ザ・ブラッククイーン／クイーン　【1973】

20　なごり雪／イルカ　【1975】

21　忘れじのグローリア／ミッシェル・ポルナレフ　【1973】

22　夢見るシャンソン人形／フランス・ギャル　【1965】

23　同志／イエス　【1972】

24　悲しき鉄道員／ショッキング・ブルー　【1970】

25　タワー／エンジェル　【1975】

26　ロッホ・セヌ―／ランパ　【1990】

27　レディ・ラック／ロッド・スチュワート　【1995】

28　残酷な天使のテーゼ／高橋洋子　【1995】

おりべまこと電子書籍

音楽エッセイ「週末の懐メロ　第１巻」　

明日２月22日（水）17:00～27日（月）16:59まで

６日間連続無料キャンペーン実施。

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20世紀ポップミュージックの回想・妄想・新発見！

ブログ「DAIHON屋のネタ帳」で

2020年10月から毎週連載している

「週末の懐メロ」を本にしました。

オールド世代もヤングな世代も

懐メロ話で精神の栄養補給を。

曲やアーティストを解説する、

あるいはロック史・音楽史を研究するといった

大それたものでは全然ありません。

懐かしさと個人的な思い出に駆られて書いたエッセイです。

タイムマシンに乗ってはるかな時間を遡ると、

ノスタルジーだけでなく、新しい発見があったり、

改めて感動してみたり、泣いたり笑ったり、

リアライズやサプライズもいっぱい。

僕と同じ昭和世代・20世紀世代にはもちろん、

21世紀を生きる若い世代のお宝発掘のための

ガイドブックとしてもお楽しみください。

文章を読んで興味を持ったら、

ぜひお聴きになって＆ご覧になってください。

良い音楽、好きな音楽をあなたの心の友に。

第１巻として♯１～♯28を収録。

もくじ

１　５年間／デビッド・ボウイ　【1972】

２　愛にさよならを　／カーペンターズ　【1973】

３　ドント・レット・ミー・ダウン／ザ・ビートルズ　【1968】

４　嘆きの天使／ケイト・ブッシュ　【1978】

５　ソー・ロンリー／ザ・ポリス　【1978】

６　スワロウテイル　～あいのうた～　／イェンタウン・バンド　【1996】

７　青春の影／財津和夫（チューリップ）　【1974】

８　ボール＆チェーン／ジャニス・ジョプリン　【1967】

９　ハッピークリスマス／ジョン・レノン＆ヨーコ・オノ　【1971】

10　翼をください／山本潤子（赤い鳥）　【1971】

11　スキャットマンズ・ワールド／スキャットマン・ジョン　【1995】

12　クレア／フェアーグランド・アトラクション　【1988】

13　デジャ・メイク・ハー／レッド・ツェッペリン　【1973】

14　タイムマシンにおねがい／サディスティック・ミカバンド　【1974】

15　キエフの大門／エマーソン・レイク＆パーマー　【1972】

16　少女／五輪真弓　【1972】

17　ジュニアズ・ファーム／ ポール・マッカートニー＆ウイングス　【1974】

18　トムズ・ダイナー／スザンヌ・ヴェガ　【1984】

19　マーチ・オブ・ザ・ブラッククイーン／クイーン　【1973】

20　なごり雪／イルカ　【1975】

21　忘れじのグローリア／ミッシェル・ポルナレフ　【1973】

22　夢見るシャンソン人形／フランス・ギャル　【1965】

23　同志／イエス　【1972】

24　悲しき鉄道員／ショッキング・ブルー　【1970】

25　タワー／エンジェル　【1975】

26　ロッホ・セヌ―／ランパ　【1990】

27　レディ・ラック／ロッド・スチュワート　【1995】

28　残酷な天使のテーゼ／高橋洋子　【1995】

とてもシンプルでありながら、

あまりにも切なく美しいメロデイライン。

初めて聴いた時は本当に鮮烈だった。

1988年のヒット曲だが、

どこか1970年代の日本のフォークソングを彷彿とさせた。

正直、最初、歌だけ聴いたので

トレイシー・チャップマンが黒人女性だとは思わなかった。

黒人歌手はみんな歌い方がブルースっぽかったり、

ソウルフルだったり、ファンキーだったり、

ダンスフルだったりする。

そんな思い込みというか、偏見があった。

そして僕が知っている限り、ギター1本で歌う

プロの黒人シンガーソングライターは

1988年まで存在しなかった。

そういう意味で、トレイシー・チャップマンは

今でも特別なミュージシャンである。

しかし、この曲の内容はまさしくブルース。

アメリカ社会の底辺で働く、黒人女性の労働者の歌だ。

厳しくリアルなストーリーを歌っているのだが、

なぜか一編の寓話を語っているようにも聴こえる。

そして自然と浮かび上がる映画のようなシーン、

ストーリーは、ひどく胸に迫ってくる。

主人公の女は学校を辞めて、

スーパーやコンビニのレジ打ちをしながら、

貧困の中で飲んだくれの父親を支えている。

母親は、もうこんな生活は嫌だと言って

出て行ってしまったからだ。

そんな境遇の彼女が車を持っている男と出逢う。

高速道路を走ったらバラバラになってしまいそうなほどの

ポンコツだが、彼と一緒にドライブした彼女は狂喜する。

まるで空を飛ぶほどのスピードで走っているような

錯覚にとらわれる。

笑って運転する彼と一緒にいると、

それまでのみじめな自分を忘れることができる。

そう呟くのだ。

二人は一緒に暮らし始める。

いつかこの町の、この貧しい暮らしから

抜け出せることを夢見て。

子どもも生まれた。

幸せになりたいのだが、

いつの間にか彼は彼女の父親と同じように

無職の飲んだくれになっていってしまう。

けれども彼女はまだ夢を捨てていない。

貧しい生活の中で彼女は一縷の望みを抱えて

彼に問い続けるのだ。

ここで死ぬか、今夜飛び立つか・・・

あなたのあの速い車で。

「この曲はカーペンターズの曲だと思っているだろ？」

と、中学生のある日、ロック好きの先輩に聞かれた。

彼がそんなふうに聞いてくるのは、もちろん、

じつは違うんだということを物語っている。

僕がうなずくと、案の定、彼はいつもの通り、

いつまで女・子どもの聞く音楽を聴いているんだ、

男はロックだ、ウンチャラカンチャラと、

カーペンターズをひとくさり、ディスった後で、

「これはもともとレオン・ラッセルの曲なんだよ。

よく憶えておけ」と言ってレコードを聴かせてくれた。

酒と煙草の匂いがプンプンしてくるような、

めちゃくちゃクセのあるピアノと歌い方。

洗練され、万人受けするカーペンターズの

ヒット曲とは確かに違う、

大人の男の「ア・ソング・フォー・ユー」がそこにあった。

1970年リリース。

レオン・ラッセル初のソロアルバムに収められたこの曲は、

当初、大したヒットにならなかった。

しかし、カーペンターズがカヴァーして

世界に知られるようになって以降、

たちまちその魅力に多くの人が酔いしれた。

そして、ジャズやブルースが好きな歌手なら誰もが

一度は歌ってみたいと言う名曲に昇華した。

僕の場合、約50年前の先輩の洗脳が効果を発揮していて、

いまだに誰が歌うよりもラッセルの

オリジナルが最高だと思っている。

この歌にはまた、東京に来て初めて

水商売のバイトをやった時の思い出も沁み込んでいる。

僕が勤めていた池袋の店にはバンドの生演奏が入っており、

「ア・ソング・フォ・ユー」は、

彼らのレパートリーの一つになっていた。

店内にはちょっとしたダンスホールがあり、

この曲が始まると、必ずお客のカップルが出てきて、

ミラーボールが回る中でチークダンスを踊っていた。

僕にとっての夜の商売の世界の原風景。

音節の間から立ち上る酒と煙草の匂いは、

おそらくそこから来ているのだろう。

レオン・ラッセルは他にも「スーパースター」

「ディス・マスカレード」

（いずれもカーペンターズがカヴァー）

といった今ではポップスのスタンダードナンバーに

なっている名曲の数々を生み出した

稀代のシンガーソングライターだ。

ところが、なぜか今、彼の知名度は異常に低く、

あまり語られることのないミュージシャンになっている。

ネット上の情報もこれほどの大家の割には驚くほど少ない。

「僕は人生の中でたくさんの場所にいて、

たくさんの歌を歌ってきた  

けれども今、僕はきみのためにこの歌を歌っている」

僕個人のいろいろな思い出を抜きにして、

誰の胸にも響く素晴らしい歌であることは疑いようもない。

すでに天国の人となったレオン・ラッセル。

誰かのカヴァーを聴いてこの曲と出逢ったのなら、

ぜひ生みの親のことも知ってほしいと思う。

もくじ

１　５年間／デビッド・ボウイ　【1972】

２　愛にさよならを　／カーペンターズ　【1973】

３　ドント・レット・ミー・ダウン／ザ・ビートルズ　【1968】

４　嘆きの天使／ケイト・ブッシュ　【1978】

５　ソー・ロンリー／ザ・ポリス　【1978】

６　スワロウテイル　～あいのうた～　／イェンタウン・バンド　【1996】

７　青春の影／財津和夫（チューリップ）　【1974】

８　ボール＆チェーン／ジャニス・ジョプリン　【1967】

９　ハッピークリスマス／ジョン・レノン＆ヨーコ・オノ　【1971】

10　翼をください／山本潤子（赤い鳥）　【1971】

11　スキャットマンズ・ワールド／スキャットマン・ジョン　【1995】

12　クレア／フェアーグランド・アトラクション　【1988】

13　デジャ・メイク・ハー／レッド・ツェッペリン　【1973】

14　タイムマシンにおねがい／サディスティック・ミカバンド　【1974】

15　キエフの大門／エマーソン・レイク＆パーマー　【1972】

16　少女／五輪真弓　【1972】

17　ジュニアズ・ファーム／ ポール・マッカートニー＆ウイングス　【1974】

18　トムズ・ダイナー／スザンヌ・ヴェガ　【1984】

19　マーチ・オブ・ザ・ブラッククイーン／クイーン　【1973】

20　なごり雪／イルカ　【1975】

21　忘れじのグローリア／ミッシェル・ポルナレフ　【1973】

22　夢見るシャンソン人形／フランス・ギャル　【1965】

23　同志／イエス　【1972】

24　悲しき鉄道員／ショッキング・ブルー　【1970】

25　タワー／エンジェル　【1975】

26　ロッホ・セヌ―／ランパ　【1990】

27　レディ・ラック／ロッド・スチュワート　【1995】

28　残酷な天使のテーゼ／高橋洋子　【1995】

今回、「週末の懐メロ」を書籍化するに当たって、

リライト・編集作業をしたり、

紹介した楽曲を改めて聴いてみたりして、

一つ気付いたことがある。

それはこれらの名曲の誕生時、

当のミュージシャンらは、

自分でもわけがわからずに

創作に取り組んでいたんだろう、ということだ。

もちろん、ベースになるもの—ー

ブルースとか、民俗音楽とかはあっただろうし、

こんな作品にしたいという

完成イメージはあったと思うが、

自分たちの創作のプロセスを

言語化・理論化できなかった。

夜中にギターを弾いたり、

夜明けにピアノの前に座ったりすると、

すーっとそこに神とか天使だとかが下りて来る。

そしてわけがわからずに、

自分に内在するものに突き動かされて

詞をつくる、曲を作る、

できた曲を編み上げ、味つけをする。

その過程で神が宿るのである。

音楽に限らず、21世紀以降のサブカルチャーに

世のなかの価値観を揺るがすほど斬新なもの、

いわば、神がかり的なものが生まれないのは、

やはり産業化され、

システム化されてしまったからだろう。

言ってしまえば、かつての生きた音楽の抜け殻

を再生産しているだけである。

自己啓発本にあるような

「こうすればうまくいく」的な「成功法則」は、

この数年でＡＩが普及したら、

完全にコモディティ化されて、

成功法則でも何でもなくなってしまう。

それはこの２，3年のことかもしれない。

ビジネスになる「そこそこのもの」ができれば、

それで十分なのかもしれないけど、

そもそもクリエエイター自身が、

人の作った法則やらメソッドやらに従って作って

面白いのだろうか？

そこに喜びがあるのだろうか？

今の時代、あるいは未来、どうなるのかわからないけど、

何かものを創る人は、

他人のサクセスストーリーなどに惑わされず、

自分を信じて取り組んだほうがよい。

あなたのなかにも、あなただけの神がいる。

20世紀ポップミュージックの回想・妄想・新発見！

ブログ「DAIHON屋のネタ帳」で2020年10月から毎週連載している「週末の懐メロ」を本にしました。

曲やアーティストを解説する、あるいはロック史・音楽史を研究するといった大それたものでは全然ありません。

好きな曲を聴くと、とうの昔に忘れていた記憶が

どんどんよみがえってきます。

その名の通り、懐かしさと個人的な思い出に駆られて

書いているエッセイなのです。

タイムマシンに乗ってはるかな時間を遡ると、

ノスタルジーだけでなく、新しい発見があったり、

改めて感動してみたり、泣いたり笑ったり、

リアライズやサプライズもいっぱい。

僕と同じ昭和世代・20世紀世代にはもちろん、

21世紀を生きる若い世代のお宝発掘のための

ガイドブックとしてもお楽しみください。

なお、ブログではエッセイとともに、

YouTubeにアップされている

それぞれの曲の映像を紹介しています。

しかし、本の中ではリンクを貼れないので、

検索キーワードを書き出しました。

文章を読んで興味を持ったら、

ぜひお聴きになって＆ご覧になってください。

良い音楽、好きな音楽をあなたの心の友に。

第１巻として♯１～♯28を収録。

もくじ

１　５年間／デビッド・ボウイ　【1972】

２　愛にさよならを　／カーペンターズ　【1973】

３　ドント・レット・ミー・ダウン／ザ・ビートルズ　【1968】

４　嘆きの天使／ケイト・ブッシュ　【1978】

５　ソー・ロンリー／ザ・ポリス　【1978】

６　スワロウテイル　～あいのうた～　／イェンタウン・バンド　【1996】

７　青春の影／財津和夫（チューリップ）　【1974】

８　ボール＆チェーン／ジャニス・ジョプリン　【1967】

９　ハッピークリスマス／ジョン・レノン＆ヨーコ・オノ　【1971】

10　翼をください／山本潤子（赤い鳥）　【1971】

11　スキャットマンズ・ワールド／スキャットマン・ジョン　【1995】

12　クレア／フェアーグランド・アトラクション　【1988】

13　デジャ・メイク・ハー／レッド・ツェッペリン　【1973】

14　タイムマシンにおねがい／サディスティック・ミカバンド　【1974】

15　キエフの大門／エマーソン・レイク＆パーマー　【1972】

16　少女／五輪真弓　【1972】

17　ジュニアズ・ファーム／ ポール・マッカートニー＆ウイングス　【1974】

18　トムズ・ダイナー／スザンヌ・ヴェガ　【1984】

19　マーチ・オブ・ザ・ブラッククイーン／クイーン　【1973】

20　なごり雪／イルカ　【1975】

21　忘れじのグローリア／ミッシェル・ポルナレフ　【1973】

22　夢見るシャンソン人形／フランス・ギャル　【1965】

23　同志／イエス　【1972】

24　悲しき鉄道員／ショッキング・ブルー　【1970】

25　タワー／エンジェル　【1975】

26　ロッホ・セヌ―／ランパ　【1990】

27　レディ・ラック／ロッド・スチュワート　【1995】

28　残酷な天使のテーゼ／高橋洋子　【1995】

1979年リリース。

「夢・ドリーム」という日本語と英語の掛け合わせは

ほとんどダジャレの部類だが、

そうしたジョーク感も含めて、このバンドが好きだった。

1979年はまだまだロックで夢を見られた時代だ。

ニューウェーブロックという印象が強いシーナ＆ロケッツ。

基本はロックンロールなのだが、

細野晴臣がプロデューサーとして関わっていたせいか、

デビュー当時はちょっとテクノポップ風の

ニュアンスが混じっていた。

シーナのハラハラさせるような危なっかしい、

けど魅力的なヴォーカルと

インチキっぽく謎めいたカタカナ英語も懐かしい。

そして、何と言っても鮎川誠のギターがカッコよかった。

NHK-FMでエアチェックした鮎川参加の

ＹＭＯツアーの番組を

カセットテープに録音して長らく愛聴していたのだが、

ＹＭＯのサポートギタリストのなかでも

鮎川のギターがいちばんキレていたように思う。

シーナの死後８年、その鮎川が先月末、この世を去った。

そう言えば今年に入ってからＹＭＯのドラマーだった

高橋幸宏も去っている。

誰が死んだってロックンロールは不滅だぜ、

と言いたいところだが、

やっぱり寂しさを禁じ得ない。

1979年は、とてもとても思い出深い年だった。

せめてシーナと鮎川といっしょに、

ユメ、ユメ、ユメ、ユー・メイ・ドリーム……

と呟いていよう。

中学生の頃、日本の若者の音楽と言えば

フォークソングだった。

井上陽水ももちろんフォークシンガーであり、

シンガーソングライター。

けれども彼の歌には、それまでのフォークにはない

一種の異様さが漂っていた。

爽やか系でも、夢・希望系でも、哀愁系でも、

コミカル系でも、バカヤロー系でもなく、

ロックともフォークともつかない陽水ワールド。

あえてカテゴリー名をつけるとすれば、

劇画・文学系フォークロック？

いずれにしても「傘がない」「断絶」

「人生が二度あれば」「心もよう」などの

ヘヴィな楽曲群に、

当時の中学生は、まだ体験していない

人生の現実の奈落に叩き込まれたような気になった。

とくに「人生が二度あれば」や「心もよう」の

エンディングにはもう絶句するしかなく、

とても軽口を叩けるような雰囲気ではなかった。

そして、その真打として1993年にリリースされたのが、

この「氷の世界」である。

大寒波で毎日吹雪が吹き荒れる中、

リンゴ売りが声を張り上げるわ、

テレビがぶっ壊れっるわ、

ノーベル賞を狙っている引きこもりは出て来るわ、

わけのわからないアヴァンギャルドな歌詞が

ファンキーなリズムに乗って荒れ狂う。

ファンクともプログレッシブロックとも取れる歌だが、

けっして難解でなく、どこかポップで陽気でユーモラスで、

心地よく聴けてしまうところが陽水のすごいところ。

思うにそのポップさ・陽気さのエッセンスが拡大して、

80年代以降に変貌した「ニューミュージック陽水」に

繋がっていったのだと思う。

ところで歌詞の冒頭に出てくる「リンゴ売り」って、

いったいいつの時代の話？と思う人は多いだろう。

陽水が子どもの頃（昭和20年代）には、

まだ街中にそうした行商がいたのかなとか、

それとも昭和歌謡の「りんごの唄」（並木路子）などを

意識したのかなと思っていたが、

べつに関係ないらしい。

ちなみにリンゴ売りは

絶滅した昭和レトロビジネスではなく、

デジタル令和の今でもちゃんとあって、

リンゴを売り歩いて一日ン10万稼ぐとか、

それで一家７人養っているという人も本当にいるようだ。

この事実にもまた絶句。

ブログのネタがなかったり、あんまり気分がのらない時の

手抜きコンテンツとして始めた週末の懐メロ。

当初、YouTubeのリンク貼って、

２，３行ちょこちょこっと

コメント書いときゃＯＫと思っていたが、

案に諮らずや、今ではこれをやらないと

１週間過ごした気がしなくなってしまった。

というわけで連載２年超、100回超になったので、

電子書籍にまとめて出すことにしました。

YouTubeのリンクが貼れないので文章だけ。

今年1年かけて刊行していこうと思ってます。

第１巻は第１回：５年間／デビッド・ボウイから

第28回：残酷な天使のテーゼ／高橋洋子まで収録。

ただいまリライト・編集中。

今月末発売予定です。お楽しみに。

中学生の時、ラジオで初めてこの歌を聴いた。

中山ラビというシンガーソングライターがいるのを

知ったのもその時——1974年だ。

心変わりした男に対する女の恨み節。

それがその時の感想だった。

中学生の耳には単なる失恋ソングにしか聴こえず、

大して印象にも残らなかった。

けれども、あれから50年近く経ったいま、

まったく違った歌に聴こえる。

62歳最後の夜、「人は少しずつ変わる」は、

底なしの深さを感じさせて響いてくる。

本当だ。

若い頃には思ってもみなかったことだが、

人が劇的に変わることなど滅多にない。

人は少しずつ変わる。

これは確かだ。

そんな当たり前のことをこの齢になるまで

はっきりわからずにいた。

外身も、中身も、僕も少しずつ変わって来た。

そしていつの時代も、一夜の夢冷めやらず

うかつな10年ひと昔を、懲りずに繰り返してきた。

何年も何十年も会っていない友だちや仲間が大勢いる。

変わってしまった姿を見たり、見られたり、

もう昔のように同じ夢を見て語り合えないだろうと思うと、

怖気づいて、このまま死ぬまで会わないで、

美しい昔の面影や、明るい声を

抱いたままでいた方がいいのではないかと、

正直、思うことがある。

齢を取るとはこういうことなのだ、と腑に落ちる。

中山ラビは、詩人の中山容が訳した

ボブ・ディランの曲を歌ってライブデビュー。

「女ボブ・ディラン」と呼ばれたこともあったようだ。

芸名も中山容にちなんでつけたという。

1972年にレコードデビュー。

レコードを買って聴いた記憶はないが、

「ひらひら」「もうすぐ」「女です」といった

タイトルやジャケットはよく憶えている。

その後、よくあるパターンで、

当初の素朴なフォーク風の曲は、

新味を取り入れたニューミュージックっぽい曲調に

少しずつ（？）変わっていったようだ。

80年代後半、音楽活動を停止し、10年後にカムバック。

以後、コロナ前の2019年までライブハウスなどで

活動を続け、一昨年７月に亡くなった。

最晩年、おそらく最後に近いステージだと思うが、

2019年12月に松本のライブハウスでの

演奏が上がっている。

70歳の中山ラビが、ギター１本でこの歌を歌っていた。

別に気負うことなく、20代の頃と同じように、

さして変わらぬ声で、ごく自然に。

とても美しいと思った。

人は少しずつ変わる。

だんだん変わってどこへたどり着くのか。

誰にも自分のことがわからない。

でもきっと、だから生きているのが面白いのだろう。

いまや誰もが知る名曲中の名曲、

スタンダードナンバー中のスタンダードナンバー。

オリジナルは1961年に黒人シンガーソングライター、

ベン・Ｅ・キングがリリースした。

その後、1975年にジョン・レノンが

アルバム「ロックンロール」の中でカバーして大ヒット。

さらに1986年に公開された、

スティーブン・キング原作、ロブ・ライナー監督の

同名映画（4人の少年が死体を見つけようと冒険する話）の

テーマ曲となり、誰もが知る名曲となった。

60年代、70年代、80年代と年月を重ねて

広まった名曲は、もちろん、90年代にも21世紀の今も

愛唱・愛聴されており、

カバー・バージョンは400を超えるという。

さて、ここで歌っているのは皆、

音楽ビジネスとは無縁な無名のミュージシャンたち。

ストリートで、スラムの片隅で、自宅で、

あるいはどこかの野っぱらで、

自由に、好きなように「スタンド・バイ・ミー」を歌う。

この音楽プロジェクト“PLAYING FOR CHANGE”は、

2004年の第47回グラミー賞において、

ベストコンテンポラリー・ブルースアルバム部門で受賞した

アメリカ人のプロデューサー／エンジニアである、

マーク・ジョンソン氏が立ち上げたもの。

彼はサンタモニカの街の路上で歌う

黒人のおっちゃん（冒頭から登場するメインシンガー）の

パフォーマンスに胸を射られ、

その演奏に世界中のミュージシャン達を加え、

音楽で世界をつなぎたいという思いが込み上げたという。

その後、数年をかけて世界のさまざまな国を旅して、

世代を超えた名曲やオリジナル楽曲の演奏を、

のべ100人以上のミュージシャン達から収録した。

そして、それを編集し、

あたかも世界中のミュージシャンが、

ひとつの楽曲を一緒に演奏しているように

仕上げた動画を発表。

世界規模で大きな話題となり、

多くの人々に感動を与える一大ムーヴメントとなった。

このプロジェクトの収益の一部は、

非営利団体である

「PLAYING FOR CHANGE基金」を通じて、

インドやネパールにおける難民への必要物資の提供など、

直接的な援助のほかに、

南アフリカでの音楽スクールやアートスクールの設立、

子どもたちへの恒常的な指導にも役立てられ、

音楽や芸術の輪を、世界に広げることに貢献している。

音楽は世界を救う、平和を実現する――

1960年代から80年代にかけて盛り上がった

ポップカルチャーのムーヴメントは色あせ、

夢と消えたかに見えたが、まだ生きている。

やっぱり音楽っていいものだ、夢を捨ててはいけない

と改めて思わせてくれるパフォーマンスだ。

年末の30日にＮＨＫで放送された

「映像の世紀バタフライエフェクト：

ロックが壊した東西冷戦の壁」が

とても見ごたえがあって面白かった。

東西冷戦の象徴だった「ベルリンの壁」を崩壊に導いた、

ニナ・ハーゲン、ルー・リード、デビッド・ボウイ。

３人のロックシンガーの物語。

自由を叫ぶ３人の音楽は、

冷戦の壁を越えて人々の心を揺さぶった。

その番組の中で紹介された曲の一つが

ニナ・ハーゲンの「カラーフィルムを忘れたのね」である。

ニナ・ハーゲンは1980年頃、

パンククイーンとして世界的な人気を博した。

僕もファーストアルバムを持っていたが、

パンクというよりニューウェーブという印象が強かった。

彼女は旧・東ドイツ出身で、世界的ロックスターになる前、

10代の頃から東ドイツで音楽活動をやっていた。

しかし1976年、音楽家で作家でもあった養父が

政府から市民権を剥奪されたことをきっかけに、

東ドイツでの活動の場を奪われ、イギリスに亡命。

翌年に西ドイツに移って新たなキャリアを始め、

あっという間にスターダムにのし上がった。

この曲は彼女が東ドイツで活動していた時代の

大ヒット曲で、1974年のリリース。

同年、東ドイツの音楽チャートでトップになった。

一緒に旅行した彼氏がカラーフィルムを忘れたために、

記念写真がみんなて白黒になってしまったことに

怒る女の子の歌だ（当然、この時代はフィルムカメラ）。

第２次世界大戦の敗戦国となったドイツは

東西に分断され、西は資本主義国である

アメリカやイギリス・フランスなどの勢力下に、

東は社会主義国のソ連（現ロシア）の勢力下に

置かれていた。

コミカルな味わいのこの曲は、当時の若者の、

単調で色のない社会主義国の生活・文化に対する鋭い批判、

痛烈な風刺として受け止められていた。

当時の東ドイツの若者の多くが

この曲に刺激されてロックを聴き始め、

ロックカルチャーの影響を受け、

やがて1987年のデビッド・ボウイの伝説のベルリンライブ、

そして、1989年のベルリンの壁崩壊に繋がっていく。

ニナ・ハーゲンを聴く若者の一人に、

当時、大学で物理学を勉強していた

アンゲラ・メルケル元首相がいた。

ただ、彼女はロックカルチャーに浸ることなく、

反体制的な政治思想を持つこともなく、

むしろ社会主義国家に忠実な科学者として

生きていたという。

それがベルリンの壁崩壊で劇的に人生が変わり、

科学者から政治家に転身。

最後には統一ドイツの第8代連邦首相

（最年少で初の女性首相）となり、

４期16年間、トップを務めて2021年に引退した。

彼女が2021年12月に国防省で行われた退任式典で

演奏する曲として選んだのが

「カラーフィルムを忘れたのね」だった。

記者会見で選んだ理由を問われると

「この曲は私の青春時代のハイライトだった」

と答えたという。

メルケル元首相は国際政治の場でも

大きな存在感を持っていたが、

東ドイツ出身ということもあってか、

対ロシア外交にも辣腕を振るった。

プーチン大統領も彼女に対しては、

つねに一目置いていたという。

2022年、ロシアがウクライナに侵攻したのは、

メルケルが政治の世界から身を引いたために重しがなくり、

プーチンが自分の願望に

ブレーキを踏めなくなったことが一因、

と見る専門家もいる。

それがどこまで真実かわからないが、

国のトップを担う人たちの心理的なバランスが

どこかで崩れてしまったことは確かだろう。

それにしてもとっくに過去のものになったと思っていた

東西冷戦（のようなもの）がまた復活するとは

予想だにしなかった。

報道慣れしてしまって、

昨年のように大変だと思わなくなってしまったが、

世界の情勢はどんどん悪化しているのではないか？

かつては音楽が人の心を変えるだけの力を発揮したが、

今また、それは有効に働くのだろうか？

僕たちは心を揺さぶられることがあるのだろうか？

「映像の世紀バタフライエフェクト：

ロックが壊した東西冷戦の壁」は

近代の世界史・ロックカルチャーの一端を知るうえで、

とても充実した内容なので超おすすめです。

再放送があれば、ぜひ見てください。

2022年最後の懐メロは、1968年リリース、

「ザ・バンド」の永遠の輝きを放つ最高傑作。

ボブ・ディランをはじめ、1960年代から活躍する

様々な超一流ミュージシャンたちと共演。

かのウッドストックフェスティバルでも歌われ、

映画「イージーライダー」の挿入歌にも使われた。

そして、この曲が入った彼らのデビューアルバムは、

かのエリック・クラプトンに

「俺の音楽人生を変えた」と言わしめた。

聖書の言葉を下敷きに

この世で生きる切なさ・苦さに

ユーモアやジョークを入り混ぜた、

不思議に明るい抜けるような旋律。

「重荷」という名の希望と自由を求める歌が、

明日へのテンションを上げる。

では皆さん、良い新年をお迎えください。

ジョン・レノンは「ハッピークリスマス」のなかで

「戦争は終わった　もし君が望むなら」と歌った。

でも、そう望まない人が世界にはたくさんいる。

彼の子供や孫の時代になっても

それはほとんど変わる気配はない。

日本も防衛費を増やそうとしている。

ロシア、中国、北朝鮮などの恐るべき動きを見れば

護身のためにやむなしと思う。

さらには日本も核を持つべきではないか、

という意見も耳にする。

今年は、世界は核の恐怖の均衡で成り立っている

という現実を、今さらのように思い知らされた。

そうだ、その通りかもしれないと思う。

けれども想像してみる。

もしも被爆国の日本が核を保有したと明言したら・・。

世界はそこで終わるかもしれない。

いろいろやっている持続可能な社会への取り組みも

すべてが水の泡になるだろう。

日本は核兵器の被害者であるが、

人類の歴史のストーリーの中で、

核を持たずに、

核の脅し合いを諫める役割を背負っている

（背負わされてた？）のではないかと思う。

まるでシェイクスピアの悲劇の主人公のようだが、

世界のために、人類のために、

その役割をこれからもと背負い続ける覚悟が

必要なのではないか。

そして今また「イマジン」を聴く。

当然ながら、いくら想像してみたって

現実はこの歌の通りにはならない。

けれどもこの曲を愛し続けるしかない。

なんだか時間が半世紀前に逆流している。

この曲が本当の懐メロになるのはまだ遠い先の話だ。

今年最後の無料キャンペーン実施

12月22日（木）17:00～26日（月）16:59

おりべまこと電子書籍：音楽エッセイをダブルで。

ポップミュージックをこよなく愛した

僕らの時代の妄想力

ロックが劇的に進化し、ポップミュージックが世界を覆った60～70年代、僕たちのイマジネーションは音楽からどんな影響を受け変態したのか。心の財産となったあの時代の夢と歌を考察する。

忌野清志郎、ビートルズ、藤圭子と宇多田ヒカル、阿久悠など。

ポップミュージックをこよなく愛した

僕らの時代の妄想力２

ロックカルチャーが開花して僕たちの世界はどのように作られ、社会はどう変わっていったのか？　いっしょに聴いて、歌って、踊って、妄想しながら考えましょう。

西城秀樹、キング・クリムゾン、ローリング・ストーンズ、ザ・ピーナッツなど。

クリスマスには失恋がよく似合う？

僕もあなたもみんなも大好き、

山下達郎の「クリスマス・イブ」といい、

この「ラスト・クリスマス」といい、

クリスマスの定番ソングになるのは失恋の歌ばっか。

イギリスの男性デュオ・ワムがこの曲を歌ったのは1984年。

（ちなみに録音したのは

ジョージ・マイケルだけだったらしい）

悲しい歌詞なのに、やけに明るいメロディ。

だけど当時はそんなことも気にならず、

この曲が大好きで、この季節になるとよく聴いて

失恋しているのに浮かれた気分になっていた。

思い返せば1980年代はそんな矛盾に満ちた時代だったのだ。

そんな若かったバカかった頃も過ぎて、

もうここ30年近く、ＢＧＭで聴こえてくるのは別にして、

ほとんど聴く気がしなかったのだが、

ふとまた聴いてみた。

やっぱり若い頃は妄想が張り付いていたのか、

魔法が切れてて、ワムのオリジナル版を聴いても、

全然ピンとこない。

カバーはどうなのか？

名曲なのでやたらいろんな人、それも女性ばっかり、

しかも世界に名を馳せるビッグネームらが

「“わたしの”ラスト・クリスマス」をご披露しているが、

全然いいと思わない。

そうして辿り着いたのが、ベスという無名の歌手。

ピアノだけを強調したシンプルな演奏をバックに、

甘くかわいく歌う。

はっきり言ってワムのオリジナルより数倍いい。

これぞ魔法がよみがえる、

僕の妄想の中の「ラスト・クリスマス」だ。

彼女はいろいろなカバー曲で歌い、

自分でネットで歌を売っているらしい。

プライベートな写真・家族の写真（だと思う）を

入れ込んだ、妙に素人っぽい映像づくりにも好感が持てる。

きっとパパ・ママが大好きで、

「ジングルベル」や「赤鼻のトナカイ」などと

いっしょに聴いて歌って大人になったんだろう。

懐メロとネットを媒介にビッグネームも素人さんも

分け隔てなく音楽を提供する時代になった。

・・・というわけで、

楽しいクリスマスをお過ごしください。

今年最後の無料キャンペーン実施

12月22日（木）17:00～26日（月）16:59

おりべまこと電子書籍：音楽エッセイをダブルで。

ポップミュージックをこよなく愛した僕らの時代の妄想力

ロックが劇的に進化し、ポップミュージックが世界を覆った60～70年代、僕たちのイマジネーションは音楽からどんな影響を受け変態したのか。心の財産となったあの時代の夢と歌を考察する。

忌野清志郎、ビートルズ、藤圭子と宇多田ヒカル、阿久悠など。

ポップミュージックをこよなく愛した僕らの時代の妄想力２

ロックカルチャーが開花して僕たちの世界はどのように作られ、社会はどう変わっていったのか？　いっしょに聴いて、歌って、踊って、妄想しながら考えましょう。

西城秀樹、キング・クリムゾン、ローリング・ストーンズ、ザ・ピーナッツなど。

これが最後のクリスマスになるのだろうか？

最期まで音楽と共に生きたいと願う

坂本龍一のソロコンサート。

ガンとの闘病でもうコンサートを行う体力がないと、

１日数曲ずつ、ＮＨＫのスタジオで演奏・収録した映像を

一つにつなげてコンサートを構成。

12月11日に世界に配信された。

「戦場のメリークリスマス」は1983年に公開された

大島渚監督の映画。

日本では坂本、ビートたけし、デビッド・ボウイという

ユニークな配役で評判になった。

そして、同名のこの主題歌のピアノバージョンは、

彼の終生の代表曲となった。

魂に染み入るような旋律。

いわゆるクリスマスソングではないのだが、

40年の間、この季節になると聴き続けてきた。

そして、これからも聴き続けるだろう。

今年はなんだか坂本龍一さんからの

クリスマスプレゼントという感じがする。

奇跡の回復を祈らずにはいられない。

イギリスで1978年に刊行された

レイモンド・ブリッグスの絵本

「スノーマン（ゆきだるま）」。

少年がクリスマスの夜に、

自分が作ったスノーマン（雪だるま）といっしょに

天上にあるサンタクロースの国へ遊びに行くという物語で、

それを原作に1982年にテレビアニメーションが作られた。

「ウォーキング・イン・ジ・エア（空を歩く）」は

その挿入歌で、少年とスノーマンが楽しく空を

散歩するシーンで流れるのだが、

なぜかとても悲しく切ないメロディ。

ラストシーンを暗喩しているのだろう。

夢はいつも切ない。

そして「スノーマン」という童話は、

実は別れや死をテーマにした物語なのだ。

作詞・作曲は、ハワード・ブレイク。

オリジナルの歌はセント・ポール大聖堂の

少年聖歌隊のメンバーだったピーター・オーティが歌った。

たくさんの人がカバーしているが、

ノルウェーのシンガーソングライター・

オーロラのカバーはそのなかで最も新しいものと思われる。

彼女は1996年生まれというから、

うちの息子と同い年だ。

息子がチビのときは今ごろの季節になると、

よくいっしょにスノーマンの本を読んだり、

アニメを観たりした。

彼女も同様にスノーマンの物語を愛して育ったのだろう。

スノーマンはまんまるで、イギリスでは

日本のドラえもんやアンパンマンのように

子供に愛される存在なのだ。

2013年にデビューしたオーロラは、

クリスマスシーズンになるとよく自分のライブや

テレビ番組で自分のレパートリーの一つにした

この歌をよく歌っているらしい。

しかし、彼女が歌うと

あのほのぼのしたスノーマンの世界とは

まるで別の、畏怖さえ感じる聖なる世界が広がる。

名前だけは知っていたが、

まともにオーロラを聴くのはこの曲が初めてだったので、

他にもいろいろYouTubeで聴いてみた。

「ランニング・ウィズ・ザ・ウルブズ」

「アイ・ウェント・ツー・ファー」

「アンダー・ザ・ウォーター」

「ソフト・ユニバース」

「ザ・リバー」etc・・・

完全に心臓をつかまれた。

とてつもなくユニークで、

とほうもなくイマジネーティブ。

40数年前に初めてケイト・ブッシュに

出逢った時に匹敵する衝撃度だ。

21世紀以降、これほど妄想力を刺激された

ミュージシャンはいない。

まさか2020年代にこんな音楽に出逢うとは！

一応、ジャンル分けとしてはエレクトロポップ

ということになっているようだが、

それよりもベースになっていると思われる

ケルト系・北欧系の民俗音楽の匂いに強く惹かれる。

曲によっては日本・アジア・

ネイティブアメリカンの香りも。

そして、ロックの精神をしっかり受け継いでいる。

ミュージックビデオも傑作ぞろいだ。

少なくとも僕にとっては現代最高のミュージシャン。

2022年はオーロラを発見した年として胸に刻んでおこう。

懐メロではないが、最高のお気に入り

「ランニング・ウィズ・ザ・ウルブズ」も同時ＵＰ。

ぜひ、オーロラの真髄を聴いてみてください。

言わずと知れたディズニーのアニメ映画

「アナと雪の女王」の主題歌。

「レリゴー」が

懐メロと言えるかどうかは微妙なところだが、

2013年のリリースから早や10年近く。

その人気度・浸透度、そして50年後も聴き継がれ、

歌い継がれるであろう、楽曲のクオリティの高さは、

もはや立派に名曲として殿堂入りしていると思う。

映画のサントラとしても最高峰の一曲ではないか。

美しさと疾走感を併せ持つメロディラインは、

吹雪の中で覚醒したエルサが雪の女王に変貌し、

瞬く間に氷の宮殿を築き上げるシーンと相まって

何度聴いても胸が熱くなる。

作詞・作曲は、ブロードウェイの舞台や、

映画・テレビの音楽を数多く手がけている

クリスティン・アンダーソン＝ロペスと

ロバート・ロペスの夫妻。

制作の裏話では、出来上がってきたこの曲を聴いて

衝撃を受けたスタッフが、

ストーリーも、エルサとアナのキャラクターも

それまで作ってきたものを一掃して書き替えたという。

（エルサは当初、芯から冷酷で戦闘的な

氷の女王という悪役だったらしい）

まさに新たな作品世界の礎となるだけの

エネルギーを持った楽曲だ。

オリジナルの歌唱は、声優としてエルサを演じた

アメリカ人女優で歌手のイディナ・メンゼルだが、

公開されるやいなや、

世界中で数えきれないほどのアーティストが魅了され、

この名曲をカバーしている。

なかでも僕が好きで、冬になるといつも聴いているのが、

何もない雪原で、エルサとアナとは似ても似つかぬ

二人のおっさんが、真っ白なピアノとチェロで奏でる

インストゥルメンタル。

間奏とエンディングにビバルディの「四季・冬」を

絡めた超絶パフォーマンスは驚愕に値し、

テンションが上がりまくる。

「ピアノ・ガイズ」は、出演のピアニスト、チェリスト、

映像クリエイター、音楽プロデューサーからなるチームで、

映画音楽、クラシックを融合リアレンジし、

映像をネット上に公開。

美しい大自然の中でユーモアを交えて繰り広げられる

演奏・映像が話題を呼んでいる。

冷たい風が吹きすさぶ中、情熱をこめて、

この上なく楽しそうに演奏する姿は、

映画の世界をそのまま拡張したかのような

「レット・イット・ゴー」のアナザーワールドを

見事に表現している。

そして、凍えるような季節がやってきても、
僕たちも熱く楽しく、愛を持って
毎日を生きたいと思わせてくれる。

1976年リリース。

懐かしいけれど、ひどく新鮮な気持ちにさせられる

坪田直子の透明感のある声。

浮遊感のあるファンタジックな演奏に乗せて、

ほんの数行の詩を繰り返すだけの短い歌だが、

いかようにでも解釈できる、

とても想像力を刺激される歌だ。

高校生時代に見た「気まぐれ天使」という

テレビドラマで彼女が好きになり、

レコード屋でこの「ピーターソンの鳥」という

アルバムを見つけて買った。

いまや見つけるのが

難しいマイナーなレコード（ＣＤ）だが、

当時、魂を傾けて聴き込んだせいもあって、

いま聴いても1曲1曲が驚くほど個性を放っていて、

めちゃくちゃ充実した内容に思える。

全10曲中、６曲がいわゆるフォークソングと

ニューミュージックの間のようなメランコリックな歌、

２曲がポエムリーディング、

そしてこの曲と最後の「ほし」が、

このような短い詩のリフレインになっている。

当時としてもかなりユニークな構成だ。

「ピーターソンの鳥」は、同名映画のサントラである。

東京キッドブラザーズ制作の映画で、

彼女はその物語のヒロインだった。

脚本・監督の東由多加は、

かの寺山修司が主宰していた演劇実験室「天井桟敷」の

創設メンバーの一人。

寺山が発起人となって開いた力石徹の葬儀

（漫画「あしたのジョー」の登場人物）は今や伝説だが、

その構成・演出は彼が手掛けた。

東京キッドブラザーズは、

東由多加が天井桟敷脱退後に作ったミュージカル劇団で、

ＮＹＣのオフブロードウェイにも進出した。

映画はミュージカルではないが、

かなり音楽に精力を傾けていて、

そのこだわりがアルバム「ピーターソンの鳥」の

クオリティの高さに繋がっている。

当時としても、そして、いま聴いても

斬新でユニークなサウンドではないかと思う。

ちなみに映画の話をすると、

主役は秋田明大という全共闘のリーダーだった男。

どうも彼が天井桟敷や東京キッドブラザーズの演劇に

興味を持って東と仲良くなり、

この映画作りに発展したらしい。

ただ、映画の内容はそうした思想や政治とは関係なく、

珍しい鳥を探し続ける男と、彼と出会った女との旅を

抽象的に描いた、半分アメリカンニューシネマ風の

あまりストーリーのはっきりしない映画だった。

内容として思い出せるのは、

雪原やプラネタリウム、バイクで走るシーン。

そしてやっぱり坪田直子の顔と歌声ばかりである。

けっこう暗い、破滅的な話なのだが、

妖精のような彼女の存在が、

浄化作用になっていた印象が残っている。

僕は確か1978年か9年に池袋の映画館で

リバイバル上映されていたのを見たのだが、

知る限り、その後、

どこかで上映されたという話を聞いたことがない。

もう幻の映画になってしまったのだろう。

僕にとっては坪田直子の歌が聴ければ

それでいいのだけれど。

1982年リリース。

ソウルとポップのベストブレンドを狙った

ダリル・ホールとジョン・オーツのデュオは

80年代前半にヒット曲を連発。

ポピュラー音楽史上最も売れたデュオとさえ言われる。

当時、僕は「プライベート・アイズ」という曲が好きで、

自分の芝居のテーマ曲に使ったりもしたが、

ホール＆オーツ自体はそれほど大好きというわけではなく、

流行ってたからよく聴いてた、という程度。

もう何十年も聴いていなかったし、

正直、ほとんど忘れていたのだが、

この曲の独特の揺らめくような心地よいリズムは

なんだか耳の底に残っていた。

今回、このライブパフォーマンスを見て

改めてホール＆オーツの音楽のクオリティの高さを実感。

齢を取ってよかったじゃん！

と思わずいいたくなるほど魅力的な演奏。

めっちゃシブくてダンディで、

若い頃より断然カッコいい。

10年近く前のライブらしいが、

ダリル・ホールも、ジョン・オーツも、

もちろんとっくに還暦を過ぎてて、

シニアならではの、

深くて芳醇なモルトウィスキーみたいな

味わいをたっぷり聴かせてくれる。

盛り上げるバックも素晴らしいの一言。

特に中盤以降のサックスを中心としたジャージーな展開は、

極上の酔い心地で、これはもうたまらない。

秋の夜長にぴったりの揺らめくリズムに

そのまま揺られて、いつまでも踊っていたくなる。

1992年リリース。

もう30年も経ったのか！

90年代指折りの名曲は、

懐メロというよりも現代に繋がる

フォーエバーヤングな歌。

そして聴く者の気持ちのテンションを上げる

フォーエバーロックな世界。

ちょっとユニセックスな雰囲気を漂わせる

女３人、男１人のユニークな編成。

「金髪じゃない４人」というバンド名は

ジョークと、反骨精神と、

まっとうな在り方からちょっと外れているという

屈折した思いが程よくブレンドされている。

（当時のアメリカ社会では、白人のなかでも

微妙なカーストがあって、

ノンブロンズーー金髪でないことは

劣等感を抱かざるを得なかったらしい）

そして、そんな彼女らのスピリットが

パワフルな魅力となって、

この曲に凝縮されているかのようだ。

♪25年生きてきたけど

まだ目的地に辿り着く希望を胸に 

あの大きな丘を上がっていこうとしているんだ

アタシは精一杯やるよ

どんな時でも諦めず

この社会の枠組みの中で頑張るよ

そして祈ってる

毎日ずっと祈ってる

世の中が大きく変わるように

もともと男社会に対する女の反抗の歌だが、

いま聴くと、あまり性別は関係ないように思える。

昔の25歳も、今の25歳も同じ様な思いを抱いている。

そして僕のように60歳を過ぎると、

きっとその希望の丘のてっぺんには

永遠に辿り着けないんだろうという諦観も入り混じる。

けど、それでもいいさ

死ぬまでその丘を登り続けようじゃないかと、

この歌詞の最後に足してみるといいのかもしれない。

秋の歌と言えば、ビートルズの

「アンド・アイ・ラブ・ハー」、

ギルバート・オサリバンの「アローン・アゲイン」、

そして、このアルバート・ハモンドの

「落葉のコンチェルト」である。

1973年リリース。

中学生の今頃の秋の夜、

ラジオにかじりついて聴いていた。

落葉が風に舞う秋の散歩道を

孤独を抱えて歩く男をイメージさせる

リリカルなメロディ。

なんとも美しく、ドラマチックな曲だ。

漠然とこれは恋に破れた男の歌なんだろうなと思っていた。

まさしく「落葉のコンチェルト」

というタイトルにぴったりの歌だ。

ところが今回、英語の原題を見てびっくり！

For The Peace Of All Mankind ——

すべての人類の平和のために

なんか特撮ヒーローの歌みたいである。

とはいかないまでも、

アルバート・ハモンドって、

こんなジョン・レノンみたいな歌手だっけ？

って混乱してしまった。

でもまぁ、ロシア・中国・北朝鮮と、

怖ろしい動きをする国がうごめく今年、

平和への願いを謳っているんなら、

ぜひ伝えたいと思って歌詞を調べてみたら愕然。

♪平和のために 安心のために

人類みんなの心の平穏のために

出て行っていってくれ

僕の頭のなかから消え去ってくれ

ベッドルームのドアを閉め

すべてを以前のように戻してくれよ…

なんだ、やっぱり女にフラれて

メソっている男の歌ではないか。

それをわざわざ「人類みんなの心の平穏のために」と

壮大なる表現にしてしまう、すごいセンス。

というわけで逆転×逆転で、

元通り、女にフラれた寂しい男の歌ってことで

落ち着いたわけだが、まだなぞは残っている。

歌詞のストーリーの中には

秋も落葉もコンチェルトも出てこない。

どうやらこれは日本のレコード会社十八番の

邦題マジックだ。

原題の仰々しさと曲調がさっぱり合わないということで、

レコードの発売時期が秋だったこともあり、

このタイトルがつけられたのだという。

前回の「悲しき天使」（メリー・ホプキン）みたいに、

可愛い娘が歌っているからこうしとけ、

みたいな手抜き仕事もあるが、

これはセンスが光っている。

その証拠に、「カリフォルニアの青い空」と並ぶ

ハモンドの代表曲と言われているこの曲は、

日本だけでヒットしたらしい。

たしかに題名が「落葉のコンチェルト」というだけで、

切なさ・美しさ三倍増。心に染み入り方が違う。

これぞ邦題の力、これぞ邦題マジック！

それにしても、勝手に題名を変えて売るのって、

当時は許されていたみたいだけど、

作者のミュージシャンはどう思っていたのだろう？

それから今はどうなのだろう？

著作権侵害に当たらないのだろうか？

いずれにしても皆さん、

すてきな音楽で秋の夜長をお楽しみください。

968年リリース。

イギリスのシンガーソングライター、

メリー・ホプキンが歌ってグローバルヒット。

とても印象的なメロディーラインなので、

若い世代でも聴いたことがある人が多いだろう。

僕はフランスのシャンソンの何かの曲を

モチーフにしているかと思っていたが、

原曲はロシアの歌謡曲で、

それをアレンジしたのだという。

さらに驚きなのが、当時、ビートルズが作った

アップルレコードからの初のシングルであり、

ポール・マッカートニーが

プロデュースしたのだとか。

そんな意外な事実に衝撃を受けた

「悲しき天使」だが、

僕にとってこの曲は唐十郎の戯曲「少女仮面」の

テーマ曲である。

唐十郎は1960年代から70年代にかけて

世の中を席巻したアングラ演劇の

劇作家であり、大スターであり、

彼の率いる劇団状況劇場は、

恐るべきスター俳優が勢ぞろいする

超パワー劇団だった。

その唐十郎が1969年に書き下ろし、

1970年の第15回岸田戯曲賞

（演劇界の芥川賞と言われる）の受賞作が

「少女仮面」だった。

この戯曲には冒頭部分のト書きで、

「メリー・ホプキンの『悲しき天使』が流れる」と

堂々と書かれている。

物語はさすがアングラ芝居らしく、

いろいろな幻想的なシーンがコラージュされていて、

単純なつくりではないが、

最も主軸となるテーマは「老い」、

それも女の老いである。

「時はゆくゆく、乙女は婆に、

婆は乙女になるかしら？」

なんて歌も挿入されるが、

おそらく「悲しき天使」が、

この物語の重要なモチーフになったのだろう。

この頃の邦題は、歌にしても映画にしても、

女が主役・歌い手だったりすると、

やたら「悲しき○○」「天使の○○」「○○の天使」

というのが多いが、原題はまったくこれと関係ない。

原題「Those were the days」は、

「あの頃はよかった・あの頃がなつかしい」

という意味で、歌詞の内容は、

まさしくな懐メロ大好きな中高年が、

青春時代の思い出に耽っている、という内容。

歌うメリー・ホプキンは当時、

まだ少女と言ってもいい18歳の女の子だった。

天才的物語作家で、次々と戯曲を書きまくり、

芝居を打ちまくっていた唐十郎の頭の中には、

この歌詞とメロディを聴いただけで、

「少女仮面」の構想が、

ダダダダと出来上がったのだと思う。

（確か何かの本で「三日で書き上げた」

と言っていたような記憶がある）

ちなみに「少女仮面」は、

僕が演劇学校に入った年、

学内の1年上の先輩方が上演して

「すげー」と衝撃を受けた思い出がある。

こんな芝居をやるなんて、

先輩方がみんな天才俳優に見えた。

今でもその時の、

ひとりひとりのキャラクターを鮮烈に憶えている。

また、この作品は「老い」という普遍的なテーマ、

そして役者の人数も適度で、

大掛かりなセットもいらない、

時間的にも割と短く、

上演しやすいといった要素から、

唐十郎の芝居の中で最も人気があるようで、

最近でもどこかしらの劇場でやっているようだ。

そして「悲しき天使」も時を超えて流れている。

18歳だったメリー・ホプキンも、

もう70歳を過ぎている。

婆は乙女になるかしら？

おりべまことハロウィンスペシャル

4日間4タイトル無料キャンペーン予告

10月29日（土）17:00～11月1日（月）16:59　

ざしきわらしに勇気の歌を：短編小説

http://amazon.com/dp/B08K9BRPY6

ハンザキを喰った話：長篇小説

http://amazon.com/dp/B09PGDSQMP

世界のEndligWatch：エンディングエッセイ①

http://amazon.com/dp/B09HQT42JR

死ぬまでジタバタしようぜ：エンディングエッセイ⓶

http://amazon.com/dp/B0B5FMN8QW

1972年リリース。

1970年代に人気を誇ったウィッシュボーン・アッシュは、

最近、あまり語られることが少ない。

しかし、この曲がラストを飾る「百眼の巨人アーガス」は

必聴の名盤である。

逆に言えば、他は聴かなくていいので、

「アーガス」だけは聴いてほしい。

内容はレコードジャケットに表現された世界そのまま。

中世の戦士が彼方の空を見つめる。

その視線の先、霧に霞む山の向こうに

かすかに見え隠れするＵＦＯ。

過去と未来を繋ぐ、恐ろしくイマジネーティブな音楽が、

1曲目「時は昔」のギターのイントロから展開する。

ウイッシュボーン・アッシュは

一般的にはハードロックに分類されることが多いが、

彼らが最も輝いた、この「アーガス」の世界は、

プログレッシブ・ロックのノリである。

それもシンセサイザーなどのキーボードを使わず、

ツインリードギターとベース・ドラムの編成で

繰り出すサウンドは、シンプルで味わい深く、

他のプログレバンドにはない独特の美学がある。

このアルバムは、いわゆるコンセプトアルバムとは異なり、

特に一貫したストーリーや

明確なテーマがあるわけではない。

しかし、美しくユニークなジャケットにも表現された

統一された世界観は、

却って聴く者の心に、さまざまなストーリーを湧かせる。

そして、そのエンディング曲、

ツインギターの独特の哀愁を帯びた「剣を棄てろ」は、

当時の東西冷戦に対する反戦歌とも解釈できる。

剣を棄てろ

戦いは終わった

勝者も敗者もない。

闘争の怒りはただ漂流するだけ・・・・

50年の年月が経ち、

今また世界は同じ時・同じ道を巡っている。

いつか「剣を棄てる」時代は来るのだろうか。

1973年リリース。

本日、鉄道開通150年。

「鉄道の日」にこじつけてロコモーション。

前々回のキャロル・キングの時、

このスタンダードナンバーは

キングの作曲だと初めて知ったので、

あっちこっち聴いてみた。

1962年のリトル・エヴァという、

アメリカの黒人女性歌手が歌ったのがオリジナルだが、

さすが名曲だけあって、古今東西、

数多の歌手がカバーしている。

僕が初めてロコーモションを聴いたのは、

わが日本のゴールデン・ハーフの歌で、だった。

キュートでセクシー。

いま聴いても楽しくて可愛くて

いちばんロコモコしてると思う。

ゴールデン・ハーフは1970年代前半に活躍した

全員ハーフの女性グループ。

最初は５人組（この頃は知らない）で、

次に４人組（たぶんこの頃が最盛期）、

最後に３人組になった。

明るいお色気をふりまき、露出度も高く、

ビキニの水着で歌っていたのが印象的。

当時はまだ小学生だったが、

鼻の下を伸ばしてテレビを見ていた。

バラエティもこなし、

たしかドリフターズの番組でも活躍していたと思う。

この頃はアイドルと言えば「清純派」が

持て囃されていた時代（今もそう？）なので、

そちらが最高級品とされており、

お色気とお笑いがウリのゴールデン・ハーフは、

Ｂ級アイドルの位置づけだった。

でも今見ると、当時の他の清純派アイドルたちが

到底かなわないほどダンスにキレがあって、

歌もうまい。

そして、さすがハーフというべきか、

スタイル抜群で英語もキレてる。

思えば、この「ロコモーション」をはじめ、

「黄色いサクランボ「バナナボート」

「太陽の彼方」「２万４千回のキッス」など、

このあたりのスタンダードは、

みんなゴールデン・ハーフで初めて聴いた。

当時の子どもにとっての洋楽ポピュラー入門編。

彼女らの貴重映像に巡り合い、

またもや鼻の下を伸ばしている。

1971年リリース。

アイドル感が強かった

1960年代終わりのGS（グループサウンズ）。

熱狂的なブームが終わり、

そのメンバーたちが集まって

「本格的なロックをやろうぜ」と作ったバンドが

ＰＹＧ（ピッグ）だった。

ザ・タイガースから

ヴォーカル・沢田研二（ジュリー）と

べース・岸部修三（のちの一徳）。

ザ・テンプターズから

ヴォーカル・萩原健一（ショーケン）と

ドラムス・大口広司。

ザ・スパイダースからギター・井上堯之と

キーボード・大野克夫。

GSブームの頃、おとなたちは

「なんだ、あの女オトコどもは！」と怒っていた。

年上のいとこのお姉ちゃんたちは

ジュリーにキャーキャー言ってた。

いとこの兄ちゃんからは

「ショーケンは子どもの頃、

よくおねしょをしてたから

ショーケン（小便＋健一）っていうんだって」

と教わった。

僕はまるっきり子供（小学校低学年）だったので、

髪の長い兄ちゃんたちがワイワイ歌を歌っているな、

でもエレキギター弾けるとカッコいいな、

という印象だった。

ワイワイ、アイドル扱いされていたGSも

あっという間に消費されてしまって、

ロックかぶれの先輩がたは

「あんなの、オンナ相手の子供だましバンドだ」と

馬鹿にしていた。

けれども、彼らの音楽性と演奏力は

優れたものだった。

ＰＹＧがそれを証明した。

注目されたのは、もちろん超人気アイドル、

ジュリーとショーケンのダブルヴォーカルだが、

バックの４人がすごかった。

彼らはのちに井上堯之バンドとなり、

日本のロック・ポップの世界に金字塔を打ち立てる。

井上堯之バンドの代名詞となる

「太陽にほえろ！」のテーマも、

最初はＰＹＧの名義で演奏されたらしい。

「自由に歩いて愛して」は、

デビュー曲「花・太陽・雨」に続く

セカンドシングル。

どうやって手に入れたのか憶えてないが、

僕もレコードを持っていて、よく聴いていた。

まさしくあの井上堯之バンドのロックサウンドが

ここにある。

詞も素敵で、50年後のいま聴いても、

いや、いま聴くからこそ心に刺さるものがある。

これだけのスーパーバンドでありながら、

ＰＹＧは不遇で、当時のロック＝反体制の信奉者から

商業主義バンドと罵倒されたり、

コンサート会場ではジュリーファンと

ショーケンファンの対立が激しく、

一体化できなかった。

所属事務所のマネージメントもよくなかったらしい。

思ったほどレコードは売れず、

マスコミからは見掛け倒しと叩かれ、

結局、鳴かず飛ばずで終わってしまった。

しかし、ＰＹＧで自分たちの音楽、

本格的なロックを追究したからこそ

メンバーたちのその後の輝かしいキャリアが

築かれた。

ドライブ感満点のベースを弾いていた岸部修三も

岸部一徳という存在感抜群の俳優となって今も活躍。

ジュリーもショーケンも歌手・俳優の両面で成功。

二人とも自分のライブでは愛と誇りを持って

この「自由に歩いて愛して」を歌っていた。

うん、やっぱりカッコいい！

もうこのメンバーのうち、

半分の三人がこの世を去ってしまったが、

ＰＹＧよ、永遠なれ。